Зенит состав баскетбол: Основной состав БК «Зенит» - Официальный сайт БК «Зенит»

Содержание

2 — Официальный сайт БК «Зенит»

«Зенит»-2 — Официальный сайт БК «Зенит» За все времяТекущий состав Сезон 2018/2019 Сезон 2017/2018 Сезон 2016/2017 Сезон 2015/2016 Сезон 2014/2015 Все амплуаЗащитникФорвардЦентровойРазыгрывающий А-Я А-Я А Б В Г Д Е Ж З И К Л М Н О П Р С Т У Ф Х Ц Ч Ш Щ Э Ю Я

Сбросить

Вы искали:

Нет игроков

Амплуа Форвард
Рост 197
Вес 88

Амплуа Форвард
Рост 201
Вес 93

Амплуа Центровой
Рост 206
Вес 113

Зенит — состав клуба, основной состав и список игроков клуба

13	Дмитрий Хвостов	31	190	84	разыгрывающий
4	Кевин Пангос	28	188	82	разыгрывающий
12	Билли Бэрон	30	188	88	атакующий защитник
7	Виталий Фридзон	35	194	91	атакующий защитник
3	Денис Захаров	27	193	87	атакующий защитник
1	Кей Си Риверс	34	196	97	атакующий защитник
9	Остин Холлинз	29	193	86	атакующий защитник
22	Алекс Пойтресс	27	206	107	легкий форвард
8	Игорь Вольхин	23	199	92	легкий форвард
25	Матеуш Понитка	27	198	95	легкий форвард
	Сергей Карасев	27	201	95	легкий форвард
20	Андрей Зубков	30	205	100	тяжелый форвард
16	Владислав Трушкин	28	201	103	тяжелый форвард
17	Максим Карванен	21	203	93	тяжелый форвард
28	Тарик Блэк	29	206	113	тяжелый форвард
10	Уилл Томас	35	203	104	тяжелый форвард
14	Антон Пушков	32	208	100	центровой
77	Артурас Гудайтис	28	208	115	центровой

Состав команды — Зенит, Баскетбол

	Maksim Karvanen Мощный форвард	Россия	21
1	K. C. Rivers Нападающий	США	34
3	Denis Zakharov Разыгрывающий защитник	Россия	27
4	Колтон Айверсон Центровой	США	32
4	Kevin Pangos Защитник	Канада	28
6	Andrew Albicy Защитник	Франция	31
7	Vitaly Fridzon Защитник	Россия	35
8	Igor Volkhin Нападающий	Россия	23
9	Остин Холлинс Защитник	США
10	Will Thomas Нападающий	Грузия	35
11	Sergei Balashov Центровой	Россия	24
12	Билли Барон Защитник	США	30
13	Dimitriy Khvostov Защитник	Россия	31
14	Anton Pushkov Центровой	Россия	32
15	Konstantin Shevchuk Защитник	Россия	21
16	Vladislav Trushkin Мощный форвард	Россия	28
20	Andrey Zubkov Мощный форвард	Россия	30
21	Тим Абромаитис Нападающий	США	31
22	Alex Poythress Легкий форвард	США	27
25	Mateusz Ponitka Атакующий защитник	Польша	27
28	Тарик Блэк Мощный форвард	США	29
34	Gustavo Ayon Центровой	Мексика	36
77	Arturas Gudaitis Центровой	Литва	28

ДЮБЛ «Зенит»: состав команды, тренерский штаб, статистика | JumpBall

Идет загрузка лидеров. ..

ОЧКИ

Рост: {{pointsLeader.PersonInfo.PersonHeight}} см

ПЕРЕДАЧИ

Рост: {{assistsLeader.PersonInfo.PersonHeight}} см

ПОДБОРЫ

Рост: {{reboundsLeader.PersonInfo.PersonHeight}} см

БЛОКИ

{{blocksLeader.

PersonInfo.Players[0].Position.PosNameRu}}

Рост: {{blocksLeader.PersonInfo.PersonHeight}} см

ПЕРЕХВАТЫ

Рост: {{stealsLeader. PersonInfo.PersonHeight}} см

Уже два Джордана. Состав баскетбольного «Зенита» почти сформирован

Леонид Романович

Спорт 08 Июля 2021

До начала клубного баскетбольного сезона еще далеко, но «Зенит» уже фактически завершил формирование команды. Селекционную кампанию можно назвать образцовой – с таким составом сине-бело-голубые должны бороться за победу в Единой лиге ВТБ и выход в «Финал четырех» Евролиги. Но есть и ложка дегтя – сохранить главную звезду, канадца Кевина Пангоса, похоже, не удается.

ФОТО pixabay

– Ситуация с Пангосом очень сложная. Вероятность того, что Кевин про-должит в «Зените», минимальная,

– признался в начале июля гендиректор «Зенита» Александр Церковный.

– У него сейчас иные приоритеты, чем карьера в европейских клубах. Все будет зависеть от того, как все будет происходить на рынке НБА.

Что ж, с американской мечтой канадца не поспоришь, да и не нужно этого делать. Проблемой остается неопределенность – в ожидании Кевина можно было упустить других разыгрывающих, которые могли бы его заменить. Поэтому многоопытный спортивный директор «Зенита» Манос Пападопулос предпочел решить проблему заранее: в июне удалось подписать другого Кевина – 25-летнего американца Фрэнкэмпа, который в прошлом сезоне набирал за испанскую «Мурсию» 15,7 очка и отдавал 3,5 результативные передачи за матч.

Результативность для разыгрывающего высокая, а вот в плане передач хотелось бы большего. В целом американский Кевин не оказывает такого же влияния на игру, как канадский, однако в этом есть и плюсы: в минувшем сезоне «Зенит» порой слишком зависел от Пангоса. Теперь игра должна стать более сбалансированной, тем более что появился очень сильный атакующий защитник Джордан Лойд – частенько именно он будет брать инициативу в свои руки.

Отличным усилением выглядит и третий новичок-легионер Миндаугас Кузминскас, игравший в последних двух сезонах за «Локомотив-Кубань» и показавший отличную статистику – 14,5 очка, 5,2 подбора и 2,4 передачи за матч.

– Мы очень рады, что Кузминскас станет частью нашей семьи, – прокомментировал этот переход главный тренер «Зенита» Хавьер Паскуаль. – Он опытный игрок, который может играть на двух позициях – легкого и тяжелого форвардов, хорошо бросает с дистанции и отлично играет в лоупосте. Антропометрические данные позволяют Миндаугасу хорошо работать на подборе.

А вчера «Зенит» наконец-то объявил о переходе из разоренных «Химок» тяжелого форварда Джордана Мики, способного при необходимости сыграть и центрового. 26-летний американец, набиравший в прошлом сезоне в Евролиге 15,6 очка и делавший 5,7 подбора, выглядит усилением по сравнению с 35-летним Уиллом Томасом, хотя ветеран также был весьма полезен.

Помимо четырех сильных иностранцев «Зенит» усилился и двумя классными россиянами. Напомню, сразу после окончания сезона в Петербург вернулся Сергей Карасев, а через месяц его примеру последовал Дмитрий Кулагин. Оба, напомню, уже играли в Петербурге, причем были лидерами команды – Кулагин в первый зенитовский сезон, а Карасев в последующие. Сейчас рассчитывать на такое же игровое время обоим будет сложно, однако в любом случае это сильные игроки уровня Евролиги.

Очевидно, с их приобретением питерцы обретают ту самую глубину состава, которой частенько не хватало в прошлом сезоне. Ну а в Единой лиге ВТБ, где разрешается выпускать лишь шестерых иностранцев в отдельном матче, их значение и вовсе трудно переоценить. С таким усилением питерцы должны быть фаворитами даже в споре с ЦСКА.

В целом работа Маноса Пападопулоса в это межсезонье вызывает такое же восхищение, как и год назад. Он подписывает не раскрученных звезд, а качественных, но при этом не заоблачно дорогих игроков, которые необходимы его тренеру. Не менее важно и то, что новичков не слишком много: прошлогодний костяк во многом удалось сохранить.

Продлены контракты уже с четырьмя легионерами – Матеушем Пониткой, Артурасом Гудайтисом, Алексом Пойтрессом и Билли Бэроном. Все они были очень полезны и сыграли важную роль в успехах прошлого сезона, к тому же все они находятся в расцвете карьеры – как и новички. Ветераны Кей Си Риверс и Тарик Блэк команду покидают, что совершенно разумно. Это уже состав не на один сезон, а как минимум на два-три.

Получается, есть уже все восемь легионеров, так что свободных позиций нет – ведь в Единой лиге ВТБ можно заявлять только восьмерых, а держать игрока только для Евролиги слишком накладно.

В целом состав выглядит мощным и сбалансированным. Немного провисает лишь позиция разыгрывающего. Конкуренцию Фрэнкэмпу сейчас могут составить только россияне Дмитрий Хвостов и Денис Захаров. Если Хвостов оправится от травм и вернется на прежний уровень, то этого должно хватить, но уверенности в этом нет.

И напоследок самое главное событие межсезонья для «Зенита» – он, как и ожидалось, получил разовое приглашение на следующий сезон в Евролигу. На большее рассчитывать не приходилось, но вот уже через год, особенно в случае успешного выступления, питерский клуб вполне может рассчитывать и на постоянную лицензию, что позволит прочно закрепиться в числе грандов европейского баскетбола. В этом плане ближайший сезон выглядит определяющим.

Материал опубликован в газете «Санкт-Петербургские ведомости» № 123 (6961) от 08.07.2021 под заголовком «Уже два Джордана».

Материалы рубрики

Победитель баскетбольной Евролиги в составе «Реала» перешел в «Зенит» :: Баскетбол :: РБК Спорт

Соглашение с 33-летним американским защитником Кей Си Риверсом рассчитано на один год

Читайте нас в

Новости Новости

Петербургский «Зенит» объявил о подписании контракта с американским защитником Кей Си Риверсом. Об этом сообщается на сайте баскетбольного клуба.

Соглашение с 33-летним спортсменом рассчитано на один сезон. В прошлом сезоне он стал чемпионом и обладателем Кубка Литвы в составе каунасского «Жальгириса».

«Он жесткий игрок и способен брать на себя игру в решающие моменты встречи. Кей Си умеет набирать очки различными способами, боец и победитель», — заявил главный тренер «Зенита» Хавьер Паскуаль.

Риверс уже играл под руководством испанского специалиста, когда выступал за греческий «Панатинаикос». «С нетерпением жду совместной работы с уже знакомым мне тренерским штабом, особенно с Хави Паскуалем. В команде собран отличный состав. Думаю, что наша большая самоотдача приведет к отличным результатам», — сказал новичок «Зенита».

«Зенит» подписал контракт с бывшим игроком НБА Алексом Пойтрессом

Риверс никогда не выступал в Национальной баскетбольной ассоциации (НБА). В России он играл за краснодарский «Локомотив-Кубань» и подмосковные «Химки». Также в его активе выступления в Италии, Франции, Германии, Испании, Сербии, Греции и Литве.

С мадридским «Реалом» Риверс в 2015 году выиграл Евролигу, чемпионат и Кубок Испании. С «Панатинаикосом» побеждал в чемпионате Греции, с «Црвеной Звездой» — Сербии.

чем интересны матчи плей-офф баскетбольной Евролиги с участием российских команд — РТ на русском

Сразу две российские команды пробились в плей-офф баскетбольной Евролиги. «Зенит» впервые в истории сыграет в нокаут-раунде и поборется за выход в «Финал четырёх». Экзаменовать петербуржцев будет выигравшая регулярный чемпионат «Барселона». В свою очередь, завсегдатай данной стадии ЦСКА померится силами с «Фенербахче». Правда, в Москву турецкий суперклуб прилетит в ослабленном составе из-за эпидемии коронавируса и без главного тренера Игора Кокошкова.

ЦСКА финишировал вторым, «Зенит» — восьмым

Стадия плей-офф Евролиги — одна из самых увлекательных и драматичных в клубном баскетболе. Она подразумевает деление представителей восьмёрки сильнейших по итогам регулярного чемпионата (34 тура, два круга, матчи дома и на выезде по системе «каждый с каждым») на пары (1—8, 2—7, 3—6, 4—5). Каждая серия длится до трёх побед одной из команд, при этом имеющие более высокий посев решающую, пятую встречу в случае необходимости проводят дома. Сильнейшие в противостояниях померятся силами в «Финале четырёх», который пройдёт в Кёльне в конце весны — с 28 по 30 мая.

ЦСКА закончил гладкий сезон вторым, одержав 24 победы и потерпев десять поражений. Показатели оказались идентичны цифрам победителя розыгрыша — «Барселоны». Однако из-за двух поражений в личных противостояниях (66:76 в первом туре и 75:88 — в 20-м) московские армейцы оказались в итоговом протоколе ниже каталонцев.

«Зенит» пробился в плей-офф с восьмой позиции, фактически заскочив в последний вагон уходящего поезда. Лишь победами в заключительных матчах регулярки коллектив Хави Паскуаля гарантировал себе участие в постсезоне. Для петербуржцев этот результат является знаковым, поскольку никогда прежде команда из этого города не поднималась в турнирной сетке столь высоко.

У «Барселоны» самый дорогой игрок Европы

«Зениту» досталась в соперники «Барселона» — пожалуй, самый сложный соперник из возможных. Испанцы обладают одним из наиболее дорогостоящих составов Евролиги с Николой Миротичем во главе. Натурализованный черногорец зарабатывает в год $3,8 млн, чем не может похвастать больше ни один игрок в Европе. Правда, отрабатывает нападающий каждый цент, положенный по соглашению: закрывает несколько позиций, пашет на совесть в защите и избавляет команду от трудностей в атаке за счёт индивидуального мастерства.

В группе поддержки Миротича — не менее яркие по меркам Евролиги исполнители, среди которых выделяются экс-форвард ЦСКА Кори Хиггинс, лучший плеймейкер турнира последних лет Ник Калатес и связка засветившихся в НБА игроков сборной Испании Алекс Абринес — Виктор Клавер (последний знаком российским болельщикам по выступлениям за «Химки» и «Локомотив-Кубань»).

Возглавляет же эту команду звёзд бывший разыгрывающий сборной Литвы Шарунас Ясикявичюс. В прошлом победитель Евролиги как игрок, сегодня он считается одним из лучших тренеров континента. Перед тем, как встать у руля каталонцев, он несколько сезонов подряд добивался выдающихся успехов с каунасским «Жальгирисом» — в частности, при мизерном бюджете выводил литовцев в «Финал четырёх», что автоматически превращало его в лучшего тренера турнира. Сегодня под его руководством «Барселона» имеет самую надёжную оборону в Евролиге и может похвастать разнообразным нападением. Поэтому «Зениту» придётся очень постараться, чтобы огорчить гранда.

Паскуаль и Пангос против бывших работодателей

На позитивный лад перед сражением с «Барселоной» коллектив Паскуаля настраивают как минимум результаты очных встреч в регулярке. В гостях «Зенит» уступил всего четыре очка, тогда как дома и вовсе одолел соперника (74:70). Кроме того, главный тренер россиян, пожалуй, как никто иной знает слабые места каталонцев. С 2004 по 2016 год он работал в структуре сине-гранатовых, а на протяжении восьми последних сезонов сотрудничества возглавлял команду.

Именно под руководством Хавьера испанцы последний раз в клубной истории выигрывали Евролигу (сезон-2010), а также четырежды становились лучшими в стране. Более того, Паскуаль прекрасно осведомлён о возможностях Ясикявичюса: в розыгрыше-2012/13 Хави тренировал литовца, победив с ним в составе в Кубке короля. Любопытно, но некоторые тактические схемы сегодняшней «Барсы» до боли напоминают розыгрыши Паскуаля времён сотрудничества с литовцем.

Личные счёты с каталонцами есть и у Кевина Пангоса. За два года выступлений в обойме блауграны по достоинству плеймейкера не оценили. Перед тем же, как в клуб пришёл Ясикявичюс, у которого канадец блистал в «Жальгирисе», спортсмен подписал контракт с «Зенитом». И уже там вновь превратился в безупречного дирижёра, связывающего любые звенья и линии команды в цельное полотно. Противостояние учителя, давшего Пангосу путёвку в высший свет, и ученика-виртуоза, безусловно, украсит четвертьфинал и даст Санкт-Петербургу дополнительный козырь (в том числе эмоциональный) при противодействии гранду.

«Фенербахче» руководит тренер, выигравший Евробаскет

Столичным армейцам придётся помериться силами с «Фенербахче» — командой, которую они обыграли в «Финале четырёх» сезона-2015/16. Отсюда и принципиальное соперничество команд, которое усугублялось противостоянием на тренерском уровне. C 2013 по 2020 год стамбульцами руководил Желько Обрадович — самый успешный тренер европейского баскетбола. Тогда как с российской стороны ему сначала бросал вызов Этторе Мессина, антагонист балканца ещё с конца 1990-х, а затем Димитрис Итудис — экс-ассистент легенды по греческому «Панатинаикосу» и близкий друг (Обрадович является крёстным отцом дочери нынешнего рулевого ЦСКА).

Также по теме

Конфликтный американец: как разыгрывающий Майк Джеймс воюет с баскетбольным клубом ЦСКА

Баскетбольный ЦСКА дважды за последнее время отстранял защитника Майка Джеймса от работы с командой. Чрезвычайные ситуации, которые…

Сейчас остроты на личном уровне стало меньше, поскольку Желько покинул Стамбул летом. Однако «Фенербахче» всё равно воспринимается в России всерьёз — отчасти из-за былых противостояний, отчасти в силу мощнейшей стартовой пятёрки, которая в середине сезона помогла туркам выдать серию из десяти побед подряд.

Экс-плеймейкер ЦСКА Нандо де Коло считается одним из самых эффективных первых номеров Евролиги по количеству продуктивных действий за время пребывания на паркете. Тогда как Ян Веселы остаётся наиболее универсальным «большим», способным защититься не только на профильной позиции центра, но и как лёгкий либо тяжёлый форвард. Вокруг них и выстроена команда, которая славится дисциплиной, тактической гибкостью и умением по нескольку раз за вечер менять стратегию игры.

Достоин отдельного абзаца и наставник стамбульцев. Игор Кокошков выводил сборную Грузии из глубин дивизиона В чемпионата Европы в финальную часть турнира, сенсационно выигрывал со словенцами континентальное первенство в 2017-м, два десятка лет трудился ассистентом в клубах НБА и побеждал в турнире с «Детройтом» в 2004-м. К своим 49 годам Кокошков добился статуса одного из самых успешных и фундаментальных балканских тренеров ХХI века.

И уже в первый самостоятельный год работы с «Фенербахче» подтвердил его. Ведь финансовый кризис летом вынудил клубное руководство радикально сократить бюджет и отказаться почти от всех ведущих исполнителей, тогда как наставник собрал практически с нуля столь боеспособный состав, которому сегодня по силам пробиться в «Финал четырёх».

Коронавирус в стане «Фенербахче»

Упростить задачу по выходу в «Финал четырёх» ЦСКА может эпидемия COVID-19, накрывшая «Фенербахче» за несколько дней до вылета в Москву. Сразу семь человек из турецкой обоймы получили положительные результаты теста, из-за чего был отменён матч национального чемпионата с «Анадолу Эфеса». В усечённом наполовину составе и без главнокомандующего стамбульцы отправились и в Россию, что, очевидно, серьёзно ударит по их боеспособности.

Кроме того, вне заявки на две стартовые встречи из-за травм останется Ян Веселы — ключевой игрок в обойме Кокошкова. На центровом завязаны практически все защитные взаимодействия и базовые комбинации-«двоечки». Это даёт россиянам колоссальное преимущество, которым они обязаны пользоваться. Ведь в подобном контексте даже потеря Николы Милутинова до конца сезона не кажется критической.

Мавиа Хан — Зенит

Тай Нагваджара

Мавиа Хан, младший, посещает курсы фотографии в Харритоне с первого года обучения. Благодаря своей особой композиции и врожденному использованию цвета Хан создал впечатляющее и яркое портфолио. Помимо фотографии, Мавиа любит играть в баскетбол, когда у него есть такая возможность, и любит водить машину, говоря: «Просто побыть одному, послушать музыку и пойти туда, куда мне хочется», очень полезно.

1.Откуда вы черпаете идеи / вдохновение?

Многие из моих идей пришли из Instagram. Я также нахожу, что мое вдохновение пришло из разных видео на YouTube. Многие из моих идей начинаются очень экстравагантно, чрезмерно и в большинстве случаев незаконны, но по мере того, как я прохожу весь свой процесс планирования, конечные результаты приходят очень близко или в точности так, как я представляю их.

2. Каково было работать с дымовыми шашками?

Дымовые шашки были очень забавным предметом в использовании.Однако у них было много неудач, которые не показаны на моих фотографиях. Во-первых, сама канистра стала очень горячей и начала прожигать наши руки, поэтому попытаться удержать канистру было непросто. Еще одна вещь, о которой нам нужно было опасаться, заключалась в том, что наше окружение было очень сухим и легко воспламеняемым, поэтому нам нужно было быть предельно осторожными с этим. Меньше всего была цена. Срок службы каждой канистры дыма составлял около 60 секунд, и они стоили около 8 долларов, поэтому нам приходилось использовать каждую секунду, которая у нас была.

3. Какое последнее телешоу вы смотрели?

Очень странные дела и Офис . Я закончил их обе за две недели и терял рассудок.

4. Над каким видом искусства вы хотели бы начать работать?

Я хочу начать снимать короткометражные фильмы, хотя я больше люблю фото. Кроме того, я бы хотел больше снимать утром во время восхода солнца, потому что я всегда его вижу, но мне слишком лень просыпаться рано утром, чтобы запечатлеть его.

5. Кто ваш любимый музыкант?

Мои любимые музыканты — The Weeknd, Трэвис Скотт, Ганна, 21 Savage и Playboi Carti.

6. Без чего ты не можешь жить?

Я не могу жить без семьи и одежды. Многие люди кладут свои телефоны в поисках ответа на этот вопрос, но я могу целыми днями не пользоваться телефоном, так что на меня это не влияет. Моя семья очень много значит для меня, поэтому это определенно важная вещь в моей жизни. Одежда — это то, чем я всегда увлекался, и мне просто нравится, как появляются новые тенденции и новые стили.

7. Есть ли у вас художники или другие люди, на которых вы равняетесь? Почему?

Я не хочу показаться снобом или что-то в этом роде, но я действительно ни на кого не смотрю; У меня есть свои идеи, и я стараюсь быть настолько уникальным и творческим, насколько это возможно.

13 лучших брекетов для лодыжки для баскетбола 2021 года

Наши редакторы самостоятельно исследуют, тестируют и рекомендуют лучшие продукты; вы можете узнать больше о наших процесс обзора здесь. Мы можем получать комиссию за покупки, сделанные по выбранным нами ссылкам.

Растяжение связок голеностопного сустава — одна из самых распространенных травм, которые может получить баскетболист. Некоторые исследования показали, что у баскетболистов в пять раз больше шансов получить травму лодыжки, чем раньше. Учитывая это, многие баскетболисты — как любительские, так и профессиональные — ищут защиты в виде ортезы для голеностопа.

«Если [пациент] уже испытал растяжение связок голеностопного сустава, ношение бандажа определенно станет частью разговора», — говорит д-р. Райан Балмес, врач-терапевт, сертифицированный клинический специалист в области ортопедии и спортивной физиотерапии. Он отмечает, что скобы для голеностопного сустава могут снизить вероятность растяжения связок голеностопного сустава, и с количеством сыгранных часов вы всегда рискуете получить травму. «Если вы хотите снизить этот риск, наденьте ортез на лодыжку», — добавляет он.

Доктор Бальмес также рекомендует поговорить с физиотерапевтом, чтобы разработать программу, которая укрепит и дополнительно защитит вашу лодыжку и обеспечит правильное ношение лодыжки.

Вот лучшие скобы для лодыжки для баскетбола.

Окончательный вердикт

Ищете ортез на голеностопный сустав, который защитит, но незаметен? Стабилизатор голеностопного сустава Med Spec ASO (см. На Amazon) — отличный вариант. Подтяжка устойчивая и гибкая, а благодаря гладкому силуэту ее легко сочетать со спортивной обувью.

Если вы ищете защиту лодыжки профессионального уровня, лучше всего подойдет прочная скоба для лодыжки Zamst A2-DX (см. На Amazon), которую использует игрок НБА Стивен Карри.Он поставляется со стабилизирующими ремнями и формованной системой поддержки для поддержки всей лодыжки.

На что обращать внимание на бандаж для лодыжки для баскетбола

Стабильность

Доктор Бальмес говорит, что у баскетболистов растяжение связок голеностопного сустава, как правило, связано с боковым растяжением голеностопного сустава. Это означает, что повреждаются боковые связки (связки на внешней стороне стопы). Учитывая это, скобы для голеностопа, которые обладают достаточной жесткостью, чтобы стопа не скатывалась внутрь, могут быть особенно полезны для предотвращения травм лодыжки при баскетболе.

Комфорт

Однако обратная сторона жесткости в том, что она может ограничивать комфорт или диапазон движений игрока, отмечает доктор Бальмес. Поскольку более защитные скобы предотвращают движение голеностопного сустава, игрок может оказаться не в состоянии двигаться так проворно, как ему хотелось бы. По этой причине д-р Бальмес рекомендует игрокам выбирать фиксаторы лодыжки в зависимости от уровня защиты, с которой они чувствуют себя комфортно, с учетом их стиля игры.

По усмотрению

Доктор Бальмес говорит, что некоторые игроки избегают подтяжек лодыжек, потому что им не нравится их внешний вид.Таким образом, осторожность может быть еще одним фактором, который стоит учитывать при покупке скоб для лодыжки.

Часто задаваемые вопросы

Должен ли я носить ортез на лодыжку для баскетбола?

Подтяжки голеностопного сустава необходимы не всем баскетболистам, но они могут стать отличным вариантом, если у вас раньше была травма лодыжки. «Ношение полужесткого бандажа для голеностопного сустава во время игры в баскетбол может быть полезным для людей, которые в настоящее время не травмированы, но уже имели травму лодыжки», — говорит доктор Касия Гондек, доктор медицинских наук, сертифицированный специалист по силовой и физической подготовке в Fusion Wellness & Physical Therapy говорит.

Доктор Гондек отмечает, что порекомендовала бы ортез на голеностопный сустав только тем, у кого ранее была травма лодыжки, и чья лодыжка в настоящее время не в идеальной форме. «Если у игрока была травма лодыжки, но он отлично контролирует тело в прыжках, приземлении и резке, я бы сказала, что фиксация голеностопного сустава не принесет ему пользы во время соревнований», — говорит она. Это связано с тем, что жесткие скобы для голеностопа могут ограничить диапазон ваших движений.

Как защитить лодыжки в баскетболе?

Ортез на голеностопный сустав может стать отличным способом защитить лодыжку, если вы ранее получали травму лодыжки.Но если вы ищете способы предотвратить травму лодыжки, вам нужно вдумчиво сосредоточиться на тренировках.

«Важно помнить, что никакие фиксаторы или ленты не могут заменить защиту и стабильность, обеспечиваемую вашей собственной мышечной силой, гибкостью, контролем над телом, балансом и ловкостью», — говорит доктор Гондек. «[Я бы] сосредоточился на улучшении функциональной силы, равновесия и контроля движений». По ее словам, для баскетболистов это может означать правильную разминку, силовые тренировки, а также программу баланса и ловкости.

Какие подтяжки для лодыжки носят игроки НБА?

Разные игроки НБА носят разные скобы для лодыжек. Стивен Карри, например, носит прочный фиксатор для лодыжки Zamst A2-DX (см. На Amazon) — прочный фиксатор для лодыжки профессионального уровня, который мы рекомендовали выше.

Могу ли я играть в баскетбол с вывихом лодыжки?

Вы не должны играть в баскетбол с растяжением лодыжки или другой серьезной травмой лодыжки. Фактически, вам следует подождать, чтобы вернуться в спорт, пока медицинский работник не скажет вам, что вы можете.

«Требуется от трех до шести недель, чтобы вылечиться от растяжения связок голеностопного сустава средней степени, и от трех до шести месяцев для более серьезных травм лодыжки — в зависимости от того, что было травмировано и насколько серьезно оно было повреждено», — говорит доктор Гондек. Слишком раннее возвращение к спорту может привести к медленному заживлению травмы.

Могу ли я бегать с фиксатором лодыжки?

Ортез на голеностопный сустав предназначен для поддержки по-разному. Поэтому, если вы хотите носить бандаж для лодыжки во время бега, обязательно поговорите с медицинским экспертом или физиотерапевтом, чтобы убедиться, что имеющийся у вас бандаж подходит для бега.

Почему стоит доверять Verywell Fit?

Как опытный писатель о здоровье Линдси Лэнквист понимает, насколько важными могут быть рекомендации по качеству продуктов. Она старается рекомендовать продукты, которые являются надежными, удобными и действительно хорошо оценены теми, кто их пробовал.

КОРЕЯ для покупателей-Zenith 2 Ultralight Rigid Wheelch

по

Цена	툴팁
Информация о доставке	Товаров отправлено из Время выполнения / ETA Вид груза Воздушные перевозки Виды транспорта-
Платежи
Сертификация	Сертификация продукции 툴팁 Сертификация продукции Закрыть Патенты 툴팁 Товарные знаки 툴팁 FTA 툴팁
История наград

купить сейчас Купить через PayPal Свяжитесь с нами

Захваты IronMind Zenith Цифровые Захваты для фитнеса Оборудование для силовых тренировок для спорта и активного отдыха arcadiawinds.com

Захваты IronMind Zenith Цифровые захваты для фитнеса

95% обычных заказов будут доставлены в течение 15-25 дней, ТОЛЬКО лицевая сторона доступна для настройки, ширина груди (дюймы): S = 20; M = 22; L = 24; XL = 26; 2XL = 28; 3XL = 30; 4XL = 32; 5XL = 34, СТАБИЛЬНАЯ ДЕМПФИРУЮЩАЯ СИЛА — бесшовные трубы с вытяжкой на оправке (DOM) снижают вероятность раскола, а вариант 60 x 80 — идеальное одеяло для двоих.Его можно подарить по разным поводам, включая дни рождения. Купите декоративный пояс для завязывания джокера / модный повседневный пояс — синий 110 см (43 дюйма): покупайте ремни ведущих модных брендов в ✓ БЕСПЛАТНОЙ ДОСТАВКЕ, возможен возврат при подходящих покупках. Или обзоры, наш широкий выбор имеет право на бесплатную доставку и бесплатный возврат. Цепь составляет приблизительно 8 дюймов, а овал шарма равен 0. Захваты IronMind Zenith Digital Fitness Gripper , серебро 16 мм, круглое, CZ, с помолвочным кольцом Marquise.M & S & W Женское повседневное офисное платье-карандаш с коротким рукавом и круглым вырезом в магазине женской одежды, скорость — ничто без контроля, и это очень тонкая линия — вот почему Яна Шики поставляет только очень тонкие линии, идеально подходит как для внутреннего, так и для наружного использования В восторге от своего любимого бокала вина из этих красиво изготовленных стаканов, Мы поставляем широкий ассортимент товаров Домашний текстиль из 100% хлопка, Кабель Cat6 включает в себя шлиц, чтобы обеспечить разделение между парами, что ограничивает перекрестные помехи, Печать от края до края край — полная обрезка, проверьте размеры, так как винтажные размеры отличаются от сегодняшних, зимних или даже прохладных дней и ночей весны, IronMind Zenith Grippers Цифровой фитнес-захват .Если вы выберете вариант вышивки, его размер составляет примерно 24 дюйма, обратите внимание, что стул не поворачивается / вращается, мы отправляем заказы по адресу, указанному клиентом, в комплект входит новый жгут проводов. введите всю необходимую информацию и отправьте ее нам по адресу ✉ adlyprints (at) gmail. Винтажное мини-платье 60-х в ярком синем оттенке. отправьте мне сообщение, и я сделаю индивидуальный заказ для вас или на разные пальцы для стиля и яркости. Пряжа Beautiful Gradient с красивым переходом. Захваты IronMind Zenith Цифровые захваты для фитнеса .

Блог — Галерея Зенит

Работы Стивена Хансена

Даты выставок: 4 ноября — 10 декабря 2016

ПРИЕМЫ К ХУДОЖНИКАМ:
Пятница, 4 ноября, 16: 00–20: 00 и суббота, 5 ноября, 14: 00–18: 00
1429 Iris Street, NW, Вашингтон, округ Колумбия 20012–1409

По многочисленным просьбам мы рады представить вам «Великие моменты в искусстве, II».Галерея Zenith уже 38 лет представляет Стивена Хансена и его раскрашенные скульптуры из папье-маше. Мы думаем, что наша общественная служба — помогать с юмором, когда и где это необходимо. Неважно, считаете ли вы себя ценителем искусства или кем-то, кто никогда не ступал в галерею или музей, Стивен Хансен добирается до публики, и люди любят его работы.

На этой выставке представлены знаменитые картины мастеров и добавлены элементы Хансена. Знаменитые комические фигуры Стивена изображают на самом деле картины каждого великого мастера в каждой очаровательной пародии.Фактически, Стивен не только создает скульптуру своей фигуры, участвуя в раскрашивании шедевров, он рисует копию картины, которую создает каждая комическая фигура. Уметь лепить и рисовать с таким талантом и творчеством и заставлять вас смеяться — это настоящий подарок и, к тому же, демонстрирует незаурядный талант! Говорят, что рассмешить людей намного труднее, чем заставить их плакать. Иди сюда, и ты будешь так смеяться, что будешь плакать!
Работы Хансена выставлялись по всему миру на протяжении последних 40 лет.Его работы находятся в коллекциях посольств по всему миру, а также во многих музеях, коммерческих зданиях, аэропортах и правительственных зданиях. Среди них Федеральная комиссия по регулированию энергетики, здесь, в Вашингтоне (и, черт возьми, этим ребятам действительно нужно немного юмора!)

Пит Мондриан, живописец, теоретик и рисовальщик, внес важный вклад в художественное движение Де Стиджл (Стиль). Он создал нерепрезентативную форму, которую он назвал неопластикой, которая состояла из белого фона, на котором была нарисована сетка вертикальных и горизонтальных черных линий и трех основных цветов.Мондриан и художники Де Стейла выступали за чистую абстракцию и урезанную палитру, чтобы выразить утопический идеал универсальной гармонии во всех искусствах. Используя базовые формы и цвета, Мондриан считал, что его видение современного искусства преодолеет различия в культуре и станет новым общим языком, основанным на чистых основных цветах, плоскостности форм и динамическом напряжении в его полотнах.

Мондриан сбежал в Нью-Йорк из Европы в 1940 году после начала Второй мировой войны.Он был очарован американским джазом, особенно буги-вуги, найдя его синкопированный ритм, дерзкий подход к мелодии и импровизационную эстетику, родственную тому, что он назвал в своей собственной работе «разрушением естественности; и строительство посредством непрерывного противостояния чистых средств — динамический ритм ». В этой предпоследней картине Мондриан заменил черную сетку, которая долгое время управляла его полотнами, на преимущественно желтые линии, которые пересекаются в точках, отмеченных квадратами синего, красного и светло-серого цветов, чтобы создать пути на холсте, напоминающие сетку города, движение транспорта и мигание электрических огней, а также ритмы джаза. Broadway Boogie Woogie не только намекает на жизнь в городе, но и знаменует растущую роль Нью-Йорка как нового центра современного искусства после Второй мировой войны.

Искусство Мондриана не было основано на внешнем художественном влиянии или на типичных методах, а было его интерпретацией глубоко прочувствованных философских убеждений. Он подписал два набора философских убеждений; теософия, религиозный мистицизм, который стремился помочь человечеству достичь совершенства, и антропософия, которая считала, что духовный мир напрямую доступен через развитие внутреннего «я».Таким образом, его работы были нацелены на помощь человечеству через эстетическую красоту и отказ от изобразительных форм живописи. Мондриан решил разделить свои представления о мире на их основные вертикальные и горизонтальные элементы, которые представляли две существенные противоположные силы: положительное и отрицательное, динамическое и статическое, мужское и женское. Динамический баланс его композиций отражает то, что он видел как универсальный баланс этих сил.

Мондриан известен чистотой своих абстракций и методической практикой, с помощью которой он пришел к ним.Он радикально упростил элементы своих картин, чтобы отразить то, что он считал духовным порядком, лежащим в основе природного мира, создав четкий универсальный эстетический язык в своих полотнах. Мондриан свел свои формы к линиям и прямоугольникам, а палитру — к фундаментальным основам, оттеснив отсылки на внешний мир к чистой абстракции. Его использование асимметричного баланса и упрощенной живописной лексики сыграло решающую роль в развитии современного искусства.

Эта картина была куплена бразильским скульптором Марией Мартинс за 800 долларов в галерее Valentine в Нью-Йорке после того, как Мартинс и Мондриан выставились там в 1943 году.Позже Мартинс подарил картину Музею современного искусства в Нью-Йорке.

http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=4057

https://en.wikipedia.org/wiki/Broadway_Boogie-Woogie

http://www.piet-mondrian.org/broadway-boogie-woogie.jsp

http://www.theartstory.org/artist-mondrian-piet.htm

Städtische Galerie im Lenbachhaus, Мюнхен, Германия

Один из пионеров абстрактного современного искусства Василий Кандинский исследовал взаимосвязь между цветом и формой, чтобы передать глубокую духовность и глубину человеческих эмоций через универсальный визуальный язык абстрактных форм и цветов, выходящий за рамки культурных и физических границ.Он разработал живописный язык, который лишь слабо относился к внешнему миру, но выразил многое о внутреннем опыте художника.

Работы Кандинского выставлялись по всей Европе с 1903 года и часто вызывали споры среди публики, искусствоведов и его современников. Активный участник нескольких самых влиятельных и противоречивых художественных движений 20-го века, Кандинский известен своими новаторскими теориями нефигуративного искусства, изложенными в его трактате 1910 года О духовном в искусстве , который считается первым теоретическим основанием абстракции. .

По мнению Кандинского, цвета в палитре художника вызывают двойной эффект: чисто физическое воздействие на глаз, а также гораздо более глубокое духовное воздействие, вызывающее вибрацию души или «внутренний резонанс». Есть очевидные свойства, которые мы можем увидеть, когда смотрим на изолированный цвет и позволяем ему действовать самостоятельно. Одно из свойств — это теплота или холодность цвета. Тепло — это тенденция к желтому цвету, а холод — к синему. Сочетание желтого и синего дает первый великолепный динамический контраст.Желтый имеет эксцентрическое движение, а синий — концентрическое. Кажется, что желтая поверхность приближается к нам, а синяя поверхность кажется удаляется. Желтый — это типично земной цвет, который может быть болезненным и агрессивным. Синий — небесный цвет, вызывающий глубокое спокойствие. Сочетание синего и желтого дает неподвижность и спокойствие, а это зеленый цвет.

Еще одно свойство — ясность или неясность цвета. Ясность — это тенденция к белому, а неясность — это тенденция к черному.Белый и черный образуют второй большой контраст, который является статичным. Белый — это глубокая абсолютная тишина, полная возможностей. Черный — это ничто без возможности, вечное безмолвие без надежды и соответствует смерти. Любой цвет сильно перекликается с соседями. Смешивание белого и черного приводит к серому, который не обладает активной силой и чей тон близок к зеленому. Серый цвет соответствует неподвижности с надеждой. Он склонен впадать в отчаяние, когда становится темно, и снова обретает надежду, когда становится светлее.

Красный — теплый цвет, живой и волнующий. Это мощное движение само по себе. В смеси с черным он становится коричневым, твердого цвета. Смешанный с желтым, он становится теплее и становится оранжевым, что придает сияющее движение всему окружающему. Когда красный смешивается с синим, он уходит в пурпурный, то есть холодный красный цвет. Красный и зеленый образуют третий великий контраст, а оранжевый и фиолетовый — четвертый. Все эти цвета присутствуют в Farbstudie .

Для Кандинского музыка и цвет были неразрывно связаны друг с другом.Эта связь была настолько ясной, что Кандинский связал каждую ноту с точным оттенком. Неврологический феномен, который испытал Кандинский, называется синестезией. Это редкое состояние, при котором одно чувство одновременно запускает другое. Кандинский буквально видел цвета, когда слышал музыку, и слышал музыку, когда писал. Художник исследовал эти ощущения с помощью нетрадиционных цветов, линий, форм и текстур, чтобы создать глубокий визуальный опыт.

http://www.wassily-kandinsky.org/
http: // www.wassilykandinsky.net/
http://www.wikiart.org/en/wassily-kandinsky/color-study-squares-with-concentric-circles-1913 http://www.theartstory.org/artist-kandinsky-wassily. htm # resources_header

Джексон Поллок был влиятельным американским художником и крупной фигурой в движении абстрактных экспрессионистов. Он был хорошо известен своим уникальным стилем капельной живописи. При жизни Поллок пользовался значительной славой и известностью как крупный художник своего поколения. Считающийся затворником, у него была непостоянная личность, и он боролся с алкоголизмом большую часть своей жизни.В 1945 году он женился на художнице Ли Краснер, которая оказала большое влияние на его карьеру и наследие.

Джексон Поллок родился в 1912 году в Коди, штат Вайоминг. В 1930 году он переехал в Нью-Йорк, чтобы учиться в Лиге студентов-художников. Социально настроенные сцены, изображенные на его репрезентативных картинах 1930-х годов, уступили место более личной, символической иконографии в следующем десятилетии, отчасти из-за его интереса к сюрреалистической стратегии автоматизма (рисование, живопись или письмо для выявления подсознательных желаний). интерес, разделяемый многими художниками, связанными с абстрактным экспрессионизмом, и его опыт юнгианского психоанализа.Регулярно выставляясь в течение середины 1940-х годов в Нью-Йорке, Поллок переехал в Ист-Хэмптон, Лонг-Айленд, в конце 1945 года, что дало возможность непосредственно наблюдать за природой и работать в более крупных масштабах.

После ужасов Второй мировой войны настроение в Соединенных Штатах отвратило художников от традиционных стилей и тем к поиску новых способов самовыражения. Как сказал Джексон Поллок в 1951 году, : «Мне кажется, что современный художник не может выразить свой возраст, самолет, атомную бомбу, радио в старых формах Возрождения или любой другой прошлой культуре.Каждая эпоха находит свою технику ».

В конце 1940-х Поллок начал экспериментировать с техникой, которой он больше всего известен — капельной живописью. Он положил холст на пол, заявив: «На полу мне легче», — сказал он. «Я чувствую себя ближе, больше частью картины, потому что так я могу ходить вокруг нее, работать с четырех сторон и буквально находиться в картине». Его процесс стал иллюстрацией идеи критика Гарольда Розенберга о холсте как арене, на которой художник будет выступать, что является одной из причин, почему метод Поллока также известен как «живопись действия».Эти рисунки, обычно обозначаемые цифрами, чтобы избежать каких-либо внешних ассоциаций, состоят из каллиграфических, петляющих цветных шнуров, которые оживляют и наполняют энергией каждый дюйм их композиций.
Результатом стало сочетание спонтанности и контроля. По словам Поллока, сначала он работал над картиной, не задумываясь. Затем, , «после периода своего рода« знакомства », когда я понимаю, чем занимался. . . Я не боюсь вносить изменения, разрушать изображение и т. Д., Потому что картина живет своей собственной жизнью.Я пытаюсь позволить этому проявиться. Только когда я теряю контакт с картиной, получается беспорядок. В противном случае — чистая гармония, легкое взаимопонимание, и картина выходит хорошо ».

Поллок погиб в возрасте 44 лет в автокатастрофе, связанной с алкоголем, когда он вел машину. В декабре 1956 года, через несколько месяцев после его смерти, Поллоку была предоставлена мемориальная ретроспективная выставка в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке. Более крупная и обширная выставка его работ прошла там в 1967 году.В 1998 и 1999 годах его работы были отмечены масштабными ретроспективными выставками в Музее современного искусства и галерее Тейт в Лондоне.

http://www.jackson-pollock.org/

http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=4675

http://www.nga.gov/feature/pollock/

Crying Girl было одним из первых предприятий Лихтенштейна по производству эмалью на стали, кратных картинкам из комиксов, которые он впервые представил на обычных холстах с ручной росписью.Этот инновационный, промышленный способ «массового производства» был столь же новаторским, как и его отличительный предмет. Вместе с другими ведущими американскими исполнителями поп-музыки Лихтенштейн обратился к популярной культуре, миру коммерции и рекламы в поисках взглядов и подходов, а также контента. Устраняя любые следы руки отдельного художника в пользу усиления представления о его механическом происхождении, здесь Лихтенштейн подчеркивал жесткими темными очертаниями и точками печати Бен-Дей первенство самого изображения — сентиментального, гламурного и в равной степени « механическая »идеализация американской девушки.

Рой Лихтенштейн был одним из первых американских поп-исполнителей и стал громоотводом для критики этого движения. Его ранние работы широко варьировались по стилю и тематике и демонстрировали значительное понимание модернистской живописи: Лихтенштейн утверждал, что его так же интересовали абстрактные качества своих изображений, как и их предмет. Зрелый поп-стиль, к которому он пришел в 1961 году, вдохновленный комиксами, был встречен обвинениями в банальности, отсутствии оригинальности, а позже даже в копировании.Его впечатляющие культовые изображения с тех пор стали синонимом поп-арта, а его метод создания изображений, сочетающий в себе аспекты механического воспроизведения и рисования от руки, стал центральным в понимании критиками значения этого движения.

https://en.wikipedia.org/wiki/Roy_Lichtenstein — cite_note-rlf-chronology-1 В 1961 году Лихтенштейн начал свои первые поп-картины с использованием мультяшных изображений и техник, заимствованных из коммерческой печати. Этот этап продлился до 1965 года.https://en.wikipedia.org/wiki/Roy_Lichtenstein — cite_note-rlf-Hendrickson-14 Его первой работой, в которой было показано крупномасштабное использование резких фигур и точек Бен-Дея, было Look Mickey (1961). В том же году он создал еще шесть работ с узнаваемыми персонажами из оберток от жевательной резинки и мультфильмов. Лео Кастелли начал выставлять работы Лихтенштейна в своей галерее в Нью-Йорке. Лихтенштейн провел свою первую персональную выставку в галерее Кастелли в 1962 году; вся коллекция была куплена влиятельными коллекционерами еще до открытия выставки. Look Mickey задал тон карьере Лихтенштейна. Этот портрет мультяшной мыши в основных цветах демонстрирует его отстраненный и невозмутимый стиль в то время, когда царил интроспективный абстрактный экспрессионизм. Добывая материалы из рекламы, комиксов и повседневной жизни, Лихтенштейн внес в галерею то, что тогда было большим табу — коммерческое искусство. Он подчеркнул искусственность своих изображений, нарисовав их так, как будто они были взяты из коммерческой прессы, с плоскими одноцветными точками Бен-Дея из газеты, тщательно отрисованными вручную с помощью краски и трафаретов.

Лихтенштейн — фигура монументального значения в новейшей истории искусства. Его вклад — все еще сильное столкновение коммерческих источников и изобразительного искусства — определил непреходящее наследие поп-арта. Идея композиционного единства занимала центральное место в мышлении художника. Пластические ценности, такие как красота и баланс, были первостепенными для Лихтенштейна, а надежные формальные образы — контуры, полутоновые точки и твердые диагонали — были строительными блоками почти всех его композиций.
http: // collection.mam.org/details.php?id=13085 http://www.artic.edu/aic/collections/exhibitions/Lichtenstein/index
http://www.gagosian.com/artists/roy-lichtenstein
http: / /www.tate.org.uk/art/artists/roy-lichtenstein-1508

Марк Ротко родился Маркус Ротковиц в Двинске, Россия (ныне Даугавпилс, Латвия) в 1903 году, иммигрировал в Соединенные Штаты со своей семьей в молодости, и они поселились в Портленде, штат Орегон. В середине 20 века он принадлежал к кругу нью-йоркских художников, получивших название абстрактных экспрессионистов.Его фирменные работы, крупномасштабные картины из светящихся цветных прямоугольников, использовали упрощенные средства для вызова эмоциональных откликов.

В возрасте сорока шести лет Марк Ротко порвал с изобразительной живописью и обратился к абстракции. С 1950 года он рисовал парящие монохромные плоскости, ориентируясь исключительно на влияние цвета. Вместе с Барнеттом Ньюманом он является одним из ведущих представителей живописи цветового поля 1950-х годов. На этой картине два прямоугольника расположены параллельно друг другу на синем фоне.Сквозь размытые и туманные очертания формы словно плывут в синем пространстве и почти исчезают в нем. Таким образом, растворение хроматической структуры создает медитативный, сверхъестественный эффект.

В основе искусства Ницше, греческой мифологии и его русско-еврейского наследия, лежало глубокое эмоциональное наполнение искусства Ротко, которое он выражал в различных стилях, от образных до абстрактных. Ранние фигуративные работы Ротко — в том числе пейзажи, натюрморты, этюды фигур и портреты — продемонстрировали способность сочетать экспрессионизм и сюрреализм.Его поиск новых форм самовыражения привел к его картинам «Цветовое поле», в которых мерцающий цвет использовался для передачи чувства духовности. Ротко на протяжении всей жизни поддерживал социальные революционные идеи своей юности. В частности, он поддерживал полную свободу самовыражения художников, которая, по его мнению, была скомпрометирована рынком. Это убеждение часто приводило его к разногласиям с истеблишментом мира искусства, заставляя его публично отвечать критикам и иногда отказываться от комиссионных, продаж и выставок.

Весной 1968 года у Ротко диагностировали легкую аневризму аорты. Игнорируя предписания врача, Ротко продолжал много пить и курить, избегал упражнений и придерживался нездоровой диеты. Брак Ротко становился все более тревожным. Он и его жена Мелл расстались на Новый год 1969 года, и он переехал в свою студию. 25 февраля 1970 года Оливер Стейндекер, помощник Ротко, обнаружил художника на своей кухне, лежащим мертвым на полу перед раковиной, весь в крови.Он порезал руки бритвой, найденной лежащей рядом с ним. Вскрытие показало, что он также принял передозировку антидепрессантов. Ему было шестьдесят шесть лет.

Незадолго до его смерти Ротко и его финансовый советник Бернард Рейс создали фонд, предназначенный для финансирования «исследований и образования», который получит большую часть работы Ротко после его смерти. Позже Рейс продал картины галерее Мальборо по значительно заниженной цене, а затем разделил последующую прибыль от продаж клиентам с представителями галереи.В 1971 году дети Ротко подали иск против Рейса, Мортона Левина и Теодора Стамоса, распорядителей его имущества, по поводу фиктивной продажи. Судебный процесс длился более 10 лет и стал известен как Дело Ротко. В 1975 году ответчики были признаны виновными в халатности и конфликте интересов, были сняты с должности исполнителей имущества Ротко по решению суда и вместе с галереей Мальборо были обязаны выплатить 9,2 миллиона долларов в качестве возмещения ущерба поместью, что составляло долю от суммы возмещения ущерба. конечная стоимость работ.

https://www.guggenheim.org/artwork/artist/mark-rothko

http://www.museum-ludwig.de/en/collection/the-collection/best-of.html

Анри де Тулуз-Лотрек имел аристократическое происхождение, но решил стать художником. Болезненный с детства и карликового роста, он был неотъемлемой частью непристойной ночной жизни Монмартра, изображая его звезд и жителей с честностью, которая иногда была жестокой. Под влиянием Дега, а также художников из круга Гогена, Лотрек определил эстетическую границу между иллюстрацией и высоким искусством, создав серию работ, которые укрепили репутацию богемного Парижа как центра сексуального беззакония и авантюризма.

Equestrienne (At the Cirque Fernando), Изображение представления в постоянном цирке на Монмартре было первой важной картиной Лотрека, вероятно, выполненной в спешке для пятой выставки Les Vingt, проходившей в Брюсселе в феврале 1888 года. Перекошенная перспектива и обрезанные фигуры работы заимствованы из искусства Дега и из японских гравюр, в то время как ограниченная палитра, сдержанная композиция и линейная экономия предвосхищают известные литографические плакаты Лотрека 1890-х годов.

Художника также вдохновили композиционные аспекты японской гравюры и фотографии. Например, центр изображения пуст, и вместо этого изображение построено вокруг широкой дуги кольца. Эта кривая повторяется на протяжении всей сцены: в мощных бедрах лошади, в ринге и галерее, а также в развевающихся штанах клоуна в верхней части картины. На Лотрека также оказал влияние перегородчатость, стиль, основанный на средневековых техниках эмалирования, с использованием тяжелых темных контуров для выделения областей плоских цветов, похожих на японские гравюры на деревянных блоках, в которых использовалась такая же тяжелая техника контуров.

В Equestrienne (В цирке Фернандо) предметы не гламурные. Крупный план по иронии судьбы уводит зрителя от зрелищности циркового представления и вместо этого концентрирует внимание на деталях взаимодействия артистов. Лица всадника и манежа вызывают сложную взаимосвязь, основанную на силе и напряжении. Тонкий объектив художника также позволяет заметить яркий цвет макияжа и костюмов всадника, а также флегматичный характер анатомии лошади, противопоставляемый тому, что обычно изображается как гламурное и захватывающее.Вместо этого пристальное внимание к манежу, всаднику и лошади улавливает как их отношения, так и ощущение того, что они находятся в движении. Большой круп лошади, поднятые задние лапы, в дополнение к вздымающейся юбке всадника, предполагают, что лошадь движется быстро по кольцу. Немногочисленные хорошо одетые зрители не смотрят на слабо одетого всадника, но, кажется, смотрят на некоторые элементы репетиции за пределами пространства картины.

Как частый гость постоянного цирка Фернандо на Монмартре, Анри знал изображенного им начальника манежа, месье Лояля.Считается, что его подруга Сюзанна Валадон, художница, бывшая артистка цирка и натурщица художников, вылепила фигуру всадника без седла. Equestrienne (В цирке Фернандо) был приобретен владельцем известного ночного клуба на Монмартре, Мулен Руж, где он висел в большом вестибюле.

Лотрек продолжал рисовать и воплощать новые идеи в свои работы. Он стал одним из самых известных визуальных летописцев парижской жизни в конце 1800-х годов.К сожалению, его здоровье никогда не было крепким, он умер от осложнений, вызванных алкоголизмом и сифилисом, в своем семейном поместье в Мальроме, незадолго до своего 37-летия.

http://www.artic.edu/aic/resources/resource/246

http://www.artic.edu/aic/collections/citi/resources/Rsrc_001115.pdf

Современник Пикассо, Хуан Миро родился в 1893 году в Каталонии и переехал в Париж в 1920 году, где оставался на время гражданской войны в Испании. Он навсегда переехал обратно в Испанию в 1940 году.Находясь в Париже, он стал известен своими картинами с индивидуальной системой знаков и символов. Миро постоянно использовал свою личную свободу в своей работе, которая перед лицом политических потрясений была наполнена трагедией и гневом, а также радостью и нежностью. Блестяще изобретательный, художник постоянно расширял границы искусства, осваивал совершенно новые техники и новые формы медиа. Его творческую карьеру можно охарактеризовать как постоянное экспериментирование и флирт на протяжении всей жизни с необъективностью.
Миро подписал манифест сюрреалистического движения в 1924 году, и члены группы уважали его за то, как он изображал сферу бессознательного опыта. Начиная с 1930-х годов, Миро выражал презрение к традиционным методам рисования как к способу поддержки буржуазного общества и, как известно, объявил «убийство картины » в пользу нарушения визуальных элементов устоявшейся живописи. В 40-х годах Миро проложил путь к абстрактному экспрессионизму в Америке, выступая за автоматизм.Благодаря такому подходу художник освободился от традиционных приемов рисования благодаря вмешательству подсознания, которое направляло кисть в, казалось бы, случайных направлениях. Несмотря на это, Миро придерживался определенных репрезентативных объектов, особенно женщин, птиц и звезд.

Фигуры и собака перед солнцем состоит из живописной шлифовки, тонких линий, которые выделяются из нее, и свободно сформированных органических форм. Линии и формы выполнены в глубоких оттенках красного, синего, черного, зеленого и желтого.Они организованы так, что выглядят как изображение воображаемой фигуры. Отсылки к фигуративному искусству очевидны на рисунке, выделенном на нейтральном фоне. Композиция сосредотачивается на ключевой фигуре символизма Миро: женщине, которая указывает на связь людей и их корни на земле. Миро использовал цветовую палитру традиционных свистков Майорки, s iurells .

В радостном бунте против традиционных методов рисования искусство Миро источает детскую свободу выражения.Черпая вдохновение в контркультуре Парижа 1920-х годов, его искусство наполнено удивительной абсурдностью. Использование Миро основных цветов, нейтрального цвета фона, а также органических форм передает живой, энергичный интерес к жизни — игровую площадку подсознания художника.

http://www.joan-miro.net/figures-and-dog-in-front-of-the-sun.jsp

http://www.mychandlerschools.org/cms/lib6/AZ01001175/Centricity/Domain/5123/Miro%20-%20Mar.Apr.pdf

http: //www.the-athenaeum.org / art / detail.php? ID = 233649

https://www.theguardian.com/artanddesign/2011/mar/20/joan-miro-life-ladder-escape-tate

В 1794 году с рекомендательным письмом от Джона Джея в руке Гилберт Стюарт отправился в Филадельфию, чтобы попросить о встрече с Джорджем Вашингтоном. Написание его портрета было хитрым бизнес-ходом, поскольку изображения Вашингтона пользовались спросом по обе стороны Атлантики. Установленная у Стюарта техника поиска подходящих выражений и поз для своих испытуемых заключалась в том, чтобы вовлекать их в живую шутку.Однако, столкнувшись с Вашингтоном, он обнаружил, что президент — непростая тема. Обычное обаяние и репутация Стюарта не смогли оживить этого сдержанного человека. По словам внука Вашингтона, Джорджа Вашингтона Парка Кастиса, Стюарту наконец удалось затронуть свою тему, обсудив лошадей, любимую тему президента, который был опытным наездником.

Все портреты Вашингтона Стюартом (всего около 100) основаны на одном из трех портретов из жизни. Вашингтон впервые сел за Стюарта в 1795 году, но результат этого раннего сеанса, портрет, на котором Вашингтон смотрит вправо, известен только по репликам, которые идентифицированы как тип Воана (названный в честь первого владельца одной из реплик).Этот первый портрет был настолько успешным, что Марта Вашингтон поручила Стюарту нарисовать пару портретов ее и ее мужа для их дома в Вирджинии, Маунт-Вернон. Она убедила президента сесть снова, потому что, по словам художника Рембрандта Пила, она « хотела портрет для себя; поэтому он согласился с явным условием, что по завершении он должен быть ее. »Стюарт начал то, что впоследствии стало его наиболее воспроизводимым изображением, изображением Вашингтона лицом влево, теперь называемым портретом Атенеума для бостонской библиотеки, которая приобрела его после смерти Стюарта.Хотя он так и не закончил сам оригинал, он использовал его на протяжении всей своей карьеры, чтобы сделать около семидесяти пяти реплик. Изображение, тщательно построенное с использованием контрастных телесных тонов, является одним из самых удачных портретов Стюарта. Это изображение послужило основой для гравировки Вашингтона на однодолларовой купюре.

Образ Вашингтона, сделанный Стюартом, считался очень драматичным и сильным с тех пор, как он был написан. Художник изобразил Вашингтона с отчетливо распахнутой челюстью, отметив, что « Когда я рисовал его, ему только что вставили набор вставных зубов, что и объясняет сдержанное выражение, столь заметное во рту и нижней части лица. Джон Нил, писатель и искусствовед начала девятнадцатого века, писал: «Стюарт говорит, и нет более точного факта, что он [Вашингтон] был человеком ужасных страстей; глазницы; ширина носа и ноздри; глубокое, широкое выражение силы и торжественности на его лбу было всем доказательством этого. Хотя нам было показано его лучшее подобие, мы должны отвергнуть это ».

http://npg.si.edu/object/npg_NPG.80.115

https: // www.nga.gov/exhibitions/2005/stuart/philadelphia.shtm

http://www.npg.si.edu/exh/gw/athens.htm

Gilbert Stuart

Ласко (Пещеры Ласко) — это комплекс пещер на юго-западе Франции, известный своими наскальными рисунками эпохи палеолита. Пещеры расположены недалеко от деревни Монтиньяк, в департаменте Дордонь. Они содержат одни из самых известных произведений искусства эпохи верхнего палеолита. Возраст этих картин оценивается в 17 300 лет.В основном они состоят из изображений крупных животных, большинство из которых, как известно из окаменелостей, жили в этом районе в то время. В 1979 году Ласко был внесен в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

12 сентября 1940 года вход в пещеру Ласко обнаружил 18-летний Марсель Равидат. Равидат вернулся на место происшествия с тремя друзьями, Жаком Марсалом, Жоржем Аннелем и Саймоном Коенкасом, и вошел в пещеру через длинную шахту. Подростки обнаружили, что стены пещеры покрыты изображениями животных.Пещерный комплекс был открыт для публики в 1948 году. Http://en.wikipedia.org/wiki/Lascaux — cite_note-timeline_of_france-8 К 1955 году углекислый газ, тепло, влажность и другие загрязняющие вещества производились 1200 посетителями в день. заметно повредил картины и привел к появлению лишайников на стенах. Пещера была закрыта для публики в 1963 году, чтобы сохранить искусство. После того, как пещера была закрыта, картины были восстановлены в их первоначальном состоянии и находились под ежедневным наблюдением. Комнаты в пещере включают Зал Быков, Проход, Вал, Неф, Апсиду и Зал кошачьих.

Пещера содержит около 2000 фигур, которые можно разделить на три основные категории; животные, человеческие фигуры и абстрактные знаки. Большинство основных изображений были нанесены на стены с использованием минеральных пигментов, хотя некоторые рисунки также были вырезаны на камне. Из животных преобладают лошади [364]. Всего 90 картин с изображением оленей. Также представлены крупный рогатый скот, бизоны, представители семейства кошачьих, птица, медведь, носорог и человек. Среди самых известных изображений — четыре огромных черных быка или зубра в Зале Быков.Один из быков имеет длину 17 футов (5,2 м) — это самое крупное животное, обнаруженное до сих пор в наскальном искусстве. Вдобавок быки, кажется, находятся в движении. Изображений оленей нет, хотя это был основной источник пищи для художников. Картина под названием «Перекрещенный бизон», найденная в зале под названием Неф, часто считается образцом мастерства пещерных художников эпохи палеолита

С 1998 года пещера была поражена грибком, виной чему по-разному была установлена новая система кондиционирования воздуха, установленная в пещерах, использование мощного освещения и присутствие слишком большого количества посетителей.По состоянию на 2008 год в пещере была черная плесень, которую ученые пытались и продолжают стараться уберечь от картин. В январе 2008 года власти закрыли пещеру на три месяца даже для ученых и защитников природы. Одному человеку разрешалось входить в пещеру на 20 минут один раз в неделю для наблюдения за климатическими условиями. Сейчас внутри пещеры могут работать лишь несколько научных специалистов, и всего несколько дней в месяц. Усилия по удалению плесени пошли на убыль, оставив темные пятна и повредив пигменты на стенах.

Ласко II, копия Большого зала Быков и Расписной галереи, расположенная в 200 метрах от оригинала, была открыта в 1983 году, чтобы посетители могли просматривать нарисованные сцены, не повредив оригиналы. Репродукции других произведений искусства Ласко можно увидеть в Центре доисторического искусства в Ле То, Франция.

http://www.lascaux.culture.fr/?lng=en#/fr/02_00.xml

http://www.metmuseum.org/toah/hd/lasc/hd_lasc.htm

http://whc.unesco.org/en/list/85

Винсент Ван Гог был крупным художником-постимпрессионистом, чьи работы оказали далеко идущее влияние на искусство 20-го века.Ван Гог рисовал в детстве, но не рисовал до двадцати пяти лет. Он завершил многие из своих самых известных работ за последние два года своей жизни. Чуть более чем за десять лет он создал более 2100 произведений искусства, в том числе 860 картин маслом и более 1300 акварелей, рисунков, эскизов и гравюр.

Ван Гог родился в семье из верхушки среднего класса и провел раннюю взрослую жизнь, работая в фирме торговцев произведениями искусства. Он путешествовал между Гаагой, Лондоном и Парижем. В молодости он был глубоко религиозным и стремился стать пастором.В 1879 году он работал миссионером в горнодобывающем районе Бельгии, где начал рисовать людей из местной общины. В 1885 году он написал «Едоки картофеля» , что считается его первой крупной работой. Его палитра тогда состояла в основном из мрачных землистых тонов и не было никаких признаков яркой окраски, которая отличала его более поздние картины. В 1886 году он переехал в Париж и открыл для себя французских импрессионистов. Позже он переехал на юг Франции и попал под влияние сильного солнечного света, который он там обнаружил.Его картины стали ярче по цвету, и он разработал уникальный и очень узнаваемый стиль, который полностью реализовался во время его пребывания в Арле в 1888 году.

После многих лет беспокойства и частых приступов психических заболеваний он умер в возрасте 37 лет от огнестрельного ранения, нанесенного им самим. Степень, в которой его психическое здоровье повлияло на его живопись, широко обсуждалась историками искусства. Несмотря на широко распространенную тенденцию романтизировать его нездоровье, современные критики видят в художнике глубокое разочарование из-за бездействия и бессвязности, вызванных болезнью.Его поздние картины показывают художника на пике своих способностей, полностью контролирующего ситуацию, и, по словам искусствоведа Роберта Хьюза, « жаждут лаконичности и изящества».

Ирисы были нарисованы, когда Винсент Ван Гог жил в приюте в Сен-Поль-де-Мавзоль в Сен-Реми-де-Прованс, Франция, в последний год перед своей смертью. Созданные на природе в саду приюта, каждый ирис Ван Гога уникален. Он внимательно изучил их движения и формы, чтобы создать множество изогнутых силуэтов, ограниченных волнистыми, извилистыми и изгибающимися линиями.Первый владелец картины, французский искусствовед Октав Мирбо, один из первых сторонников Ван Гога, писал: « Как хорошо он понимал изысканную природу цветов! »Отсутствует высокое напряжение, которое наблюдается в его более поздних работах. Ван Гог назвал картину «молниеотводом моей болезни» , потому что он чувствовал, что может удержать себя от сумасшествия, продолжая рисовать. На живопись повлияли японские гравюры на дереве укиё-э, как и многие его работы, а также работы других художников того времени.Сходство проявляется в сильных очертаниях, необычных углах, включая изображения крупным планом, а также в плоских локальных цветах, не смоделированных в соответствии с падением света.

Ван Гог считал эту картину этюдом, вероятно, поэтому на нее нет известных рисунков. Тео, брат Ван Гога, одумался и быстро представил его на ежегодную выставку Общества независимых художников в сентябре 1889 года вместе с «Звездная ночь над Роной ». Он написал Винсенту о выставке: «(Это) бросается в глаза издалека.Ирисы — прекрасный кабинет, полный воздуха и жизни ».

http://www.wikiart.org/en/vincent-van-gogh/irises-1889

http://www.getty.edu/art/collection/objects/826/vincent-van-gogh-irises-dutch-1889/

https://en.wikipedia.org/wiki/Irises_(painting)

На картинах Хоппера фигуры — обычно женщины и часто одни — изображены раздевающимися, читающими, обедающими, смотрящими в окна или просто погруженными в раздумья. Когда Хоппер изображает более одной фигуры, зрители сталкиваются с неоднозначными отношениями, чреватыми напряжением.Разговор и движение приостанавливаются, и возникает ощущение, что вы наткнулись на какую-то драму; Однако Хоппер никогда не раскрывает подробностей повествования.

В композициях Хоппера запечатлены обычные моменты, которые немногие наблюдатели остановятся, чтобы заметить. Для Хоппера настоящая драма была найдена в упущенном из виду. Он избегал признаков шума и суматохи городской жизни, придавая своим изображениям города тревожную тишину. Хоппер заимствовал многочисленные театральные приемы и переводил их на свои полотна, чтобы создавать драматические сцены.Яркий свет и высокие контрасты напоминают театральное освещение, а также фильмы-нуар.

Картины Хоппера приглашают к бесконечным интерпретациям и были описаны как изображения одиночества, отчуждения, меланхолии или одиночества. Хоппер подверг сомнению такие показания, отметив: « С одиночеством переборщили, ». Он предложил несколько объяснений своих картин: « Великое искусство — это внешнее выражение внутренней жизни художника, и эта внутренняя жизнь приведет к его личному видению мира ».”

Хоппер начал New York Movie в декабре 1938 года после затяжной засухи в его творчестве. По неизвестным причинам Хоппер столкнулся с необычными трудностями при разработке работы, в результате чего было создано 54 предварительных рисунка, больше исследований для одной картины, чем для любой другой в его карьере. Он посетил несколько кинотеатров, в том числе Strand, Globe и Republican, прежде чем приступить к более продолжительному периоду создания эскизов в Palace Theater на Западной Сорок шестой улице (ныне театр Lunt-Fontanne).

Как и большинство его соотечественников-американцев, Хоппер был заядлым кинозрителем, и к концу 1930-х годов и фильмы, и кинематографические эффекты время от времени появлялись в его картинах. New York Movie — привлекательная девушка-помощница, поглощенная собственными мыслями. Как и многие другие картины Хоппера, он исследует меланхолию и изоляцию, которые испытывают многие люди, живя в городе. Приставка была смоделирована по образцу жены Хоппера, коллеги-художника Джо Хоппера, которая также была моделью в Nighthawks.Ансамбль, который носит Джо, основан на комбинезоне с широкими штанинами, который на самом деле носит стильный женский персонал Palace.

Одна из наиболее неожиданных деталей — это виньетка на экране, которую Хоппер описал как заснеженные горные вершины. Считается, что сцена взята из блокбастера 1937 года « Затерянный горизонт », режиссера Фрэнка Капры. В первых заголовках фильма задается вопрос: «В дни войн и слухов о войнах — разве вы никогда не мечтали о месте, где царит мир и безопасность, где жизнь была бы не борьбой, а постоянным удовольствием? ” Эта цитата из фильма Капра кажется подходящим аналогом изоляции, вызванной самой картиной.

http://www.edwardhopper.net/newyork-movie.jsp

http://www.nga.gov/exhibitions/2007/hopper/acloserlookb.shtm

http://www.artic.edu/blog/2016/06/23/work-week-new-york-movie

Поль Сезанн был художником-постимпрессионистом, который создал мост между импрессионизмом и кубизмом, и считается художественным отцом Матисса и Пикассо. Хотя отец в раннем возрасте отговаривал его заняться живописью, в 1861 году он покинул свой родной город Прованс и перебрался в Париж.Именно там он встретил Камиля Писсарро, популярного художника-импрессиониста, который служил его наставником и проводником. Он начал рисовать в стиле импрессионизма, но позже начал структурно упорядочивать увиденное в простых цветовых плоскостях. Он также начал упрощать нарисованные им объекты до основных форм.

В отличие от многих художников того времени, которые сосредоточились на одном или, возможно, двух предметных стилях, Сезанн сосредоточился на натюрмортах, портретах, пейзажах и исследованиях обнаженной натуры. Он начал медленно в Париже, поскольку все его заявки на Парижский салон в период с 1864 по 1869 год были отклонены.Наконец, он успешно поступил на Парижский салон в 1882 году, который также был его последним. В 1895 году была проведена выставка всех его работ, что свидетельствовало о его растущем успехе как художника, но в том же году он вернулся в свой родной город Прованс, где продолжал работать в одиночестве.

Сезанн был изображен грубым, застенчивым, злым человеком, склонным к приступам депрессии, а позже в своей жизни он ушел в свои картины, проводя долгие периоды времени в затворничестве, рисуя в одиночестве.Хотя его картины не были хорошо приняты публикой, которая якобы реагировала с юмором, возмущением и сарказмом и смеялась над его искусством, молодые художники высоко ценили его и часто искали его. Наследие Сезанна заключается в том, что он разработал практику дробления форм, которая самым непосредственным образом повлияла на развитие кубизма, а затем и на основу современного искусства.

Работы Сезанна демонстрируют мастерство дизайна, цвета, композиции и мастерства. Его часто повторяющиеся, чувствительные и исследовательские мазки очень характерны и легко узнаваемы.Он использовал плоскости цвета и мазки, которые складывались в сложные поля, как прямое выражение ощущений наблюдающего глаза, так и абстракцию наблюдаемой природы. На этой картине наряду с яблоками и лимоном изображен необычный предмет: небольшой металлический вазон или банка с каким-то увядшим растением. По всей видимости, художник ввел в натюрморт другую форму — цилиндр и другой цвет — серый, оттеняющий чистые тона яблок и лимона.

Яблоки были в центре внимания Сезанна по ряду причин.Они не только красивы по цвету, но по сравнению с другими фруктами более разнообразны. Художника привлекла простота и законченность их формы. Для него была важна и практическая причина: яблоки не портятся быстро. При его длительной работе он должен был учитывать это качество. Однако недостаточно указать практические или художественно формальные причины такого пристрастия. На определенном уровне мотивирующим фактором для употребления яблок был скрытый в них смысл.Яблоко является символом Венеры и связано с Евой. Страсть, мучившая Сезанна с юных лет, почти патологический страх перед женщинами нашла выражение в ряде его произведений.

http://www.arthermitage.org/Paul-Cezanne/Still-Life-with-Apples.html

http://www.wikiart.org/en/paul-cezanne

http://www.neh.gov/humanities/2015/januaryfeb February/feature/the-museumgoer

Это одна из четырех картин с изображением подсолнухов, датируемых августом и сентябрем 1888 года.Ван Гог написал в общей сложности двенадцать из этих полотен, хотя чаще всего упоминаются семь, написанные им в Арле в 1888–1889 годах. Остальные пять он написал ранее, когда был в Париже в 1887 году. Цветы покрыты толстым импасто, напоминающим структуру семенных головок.

Ван Гог жил в Париже и открыл для себя палитру французских импрессионистов, когда начал рисовать подсолнухи. Примерно через год, живя один в одиночестве в Арле, он создал самые необычные изображения подсолнухов.Ван Гог приступил к работе в понедельник, 20 августа, временно вынужденный работать в помещении из-за ветра Мистраля, который, как он жаловался, обдувал его холст и мольберт, когда он писал на открытом воздухе. К 26 августа он закончил четыре снимка подсолнуха, что само по себе свидетельствует об опасной скорости, с которой он двигался в тот момент. Последний был самым смелым, потому что на нем были изображены желтые цветы в желтом кувшине на фоне желтой стены, симфония охрового, золотого и желтого цветов.

Подсолнухи — одна из самых популярных картин в Национальной галерее, а также картина, которой Ван Гог гордился больше всего.Оглядываясь на свои работы 1888 года, Ван Гог почувствовал, что для них характерна «высокая желтая нота», под которой он имел в виду как яркий цвет, так и маниакальное настроение, которое он испытывал во время рисования. Он был написан в редкий период возбужденного оптимизма, когда Ван Гог ждал приезда своего героя, художника-авангардиста Поля Гогена. Одинокий и страстный Винсент переехал в Арль на юге Франции, где он мечтал создать сообщество художников с Гогеном в качестве его наставника.Ван Гог писал своему брату Тео в августе 1888 года: « Я усердно занимаюсь этим, рисую с энтузиазмом марсельца, поедающего буйабес, что вас не удивит, если вы знаете, что я нахожусь на картине с изображением подсолнухов. . Если я осуществлю эту идею, будет дюжина панелей. Таким образом, все это будет симфонией синего и желтого цветов. Я работаю над этим каждое утро с восхода солнца, потому что цветы так быстро увядают. Я сейчас на четвертой картинке подсолнухов. Этот четвертый — букет из 14 цветов… он дает необычный эффект.

После смерти Винсента в 1890 году, а затем смерти его брата Тео в начале следующего года, почти все работы Ван Гога и большая часть его переписки оказались в Амстердаме, во владении вдовы Тео, Джо Бонгера. В 1923 году Гарольд «Джим» Эде, тогда работавший в Национальной галерее Миллбанк (впоследствии переименованной в галерею Тейт), посетил Бонгера в Амстердаме. Эде видела в своей квартире множество шедевров. Он написал Бонжеру, : «Больше всего меня трогают золотые подсолнухи. Он спросил, может ли она продать картину. Она настаивала на том, чтобы фотография навсегда осталась в семье. Однако в следующем году, после дальнейших мольб, Бонгер неожиданно сдалась. Она чувствовала, что не может расстаться с этой картиной, но в конце концов решила принести жертву. Она написала: « Ни одна картина не представит Винсента в вашей знаменитой Галерее более достойно, чем Подсолнухи. Он сам, «le Peintre des Tournesols», «Художник подсолнухов», как называл его Гоген, хотел бы, чтобы это было там.”

http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-features/10592710/Van-Goghs-Sunflowers-the-story-behind-a-masterpiece.html

https://www.nationalgallery.org.uk/paintings/vincent-van-gogh-sunflowers

http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowerindex.html

Жан Дюбуф t родился 31 июля 1901 года в Гавре, Франция, в семье среднего класса, занимавшейся торговлей вином. Хотя он был хорошо образован, он отказался от учебы, предпочитая заниматься самообразованием, читая работы доктораХанс Принцхорн, проводивший сравнения между искусством заключенных в приютах и произведениями искусства детей. Основываясь на этих наблюдениях, Принцхорн заявил, что именно дикость или базовый животный инстинкт ведет к всеобщей гармонии, утверждая, что все живые существа связывает первичный инстинкт, а не интеллектуальная теория или анализ. Эта концепция оказала сильное влияние на дальнейшую карьеру Дюбюффе.

Дюбюффе с раннего возраста не любил авторитет. Он ушел из дома в 17 лет, не получил художественного образования и много лет колебался между рисованием и работой в винном бизнесе своего отца.Позже он станет успешным пропагандистом, получившим известность своими нападками на конформизм и господствующую культуру, которые он назвал «удушающими». Его привлекало искусство детей и психически больных, и он много сделал для популяризации их работ, собирая их и пропагандируя понятие «Art Brut». На его ранние работы повлияли работы посторонних, но они также были сформированы интересами к материальности, которые волновали многих послевоенных французских художников, связанных с движением Art Informel.В начале 1960-х годов он разработал радикально новый графический стиль, который назвал « Hourloupe », и будет использовать его во многих важных общественных заказах, но он остается наиболее известным благодаря толстым текстурированным и песчаным поверхностям его изображений с 1940-е и 50-е годы.

Dubuffet был успешно запущен серией выставок, которые противоречили преобладающим настроениям послевоенного Парижа и, как следствие, вызвали огромный скандал. В то время как публика искала искупительное искусство и восстановление старых ценностей, Дюбюффе столкнул их с детскими образами, высмеивающими традиционные жанры высокого искусства.И пока публика искала красоты, он давал им картины с грубой фактурой и тусклыми цветами, которые критики сравнивали с грязью и экскрементами. Акцент на фактуре и материальности в картинах Дюбюффе может быть истолкован как упор на реальность. После войны она представляла собой призыв признать недостатки человечества и начать все заново с нуля — буквально с земли — вверх.

Пьянящий опыт Дюбюффе в деревне и отказ от художественного образования очевиден в Корова с тонким носом .На сильно текстурированной поверхности изображена корова, переданная в детской невинности пациентов, содержащихся в психиатрических учреждениях. Раскованный, дикий подход к холсту воплощает концепцию того, что Дюбюффе называл Art Brut. Изображение кажется совершенно необразованным в традициях пейзажа. Таким образом, это противоречит понятиям «высокого искусства» и подходит к созданию искусства с точки зрения художественной чистоты, на которую не влияет культурный прогресс.

http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/artists/bios/996

http: // www.moma.org/collection/works/79420

http://www.theartstory.org/artist-dubuffet-jean.htm

http://www.dubuffetfondation.com/expositions-tour.php?quelle_exposition=223&lang=en

Сотворение Адама — фреска Микеланджело, являющаяся частью потолка Сикстинской капеллы, написанная примерно в 1511–1512 годах. Он иллюстрирует библейское повествование о сотворении из Книги Бытия, в котором Бог вдыхает жизнь в Адама, первого человека.Фреска является частью сложной иконографической схемы и хронологически является четвертой в серии панелей, изображающих эпизоды из Книги Бытия. Это самое известное из фресковых панно Сикстинской капеллы, и его известность как произведение искусства может соперничать только с «Мона Лизой » Леонардо да Винчи.

Микеланджело начал писать Сотворение Адама , начиная с западной половины потолка Сикстинской капеллы, в октябре 1511 года. После четырнадцатимесячного перерыва в рисовании он смог увидеть первую половину потолка. с земли и понял, что его метод нужно немного изменить.Поскольку потолок часовни находится на высоте более шестидесяти пяти футов над полом, более ранние фигуры было трудно увидеть. Во второй половине фигуры станут выше, а композиции — менее сложными, что облегчит их просмотр с земли. Микеланджело знал, что его главный союзник, Папа Юлий II, постоянно терял здоровье, и ему нужно было работать быстрее, чтобы закончить фреску. Фактически, вся сцена сотворения Адама Богом заняла менее трех недель.

Бог изображен в виде пожилого седобородого человека, закутанного в кружащийся плащ, в то время как Адам полностью обнажен. Правая рука Бога протянута, чтобы передать искру жизни из Его собственного пальца в руку Адама, левая рука которого вытянута в позе, отражающей Божью, напоминание о том, что человек создан по образу и подобию Бога. Палец Адама и палец Бога не соприкасаются, создавая впечатление, что Бог, дающий жизнь, тянется к Адаму, который еще не принял ее; они не находятся на одном уровне, как если бы два человека обменивались рукопожатием.

Было сформулировано множество гипотез относительно идентичности и значения фигур, окружающих Бога. Человек, защищенный левой рукой Бога, мог быть Евой из-за женственности фигуры, но также предполагалось, что это Дева Мария, София, олицетворенная человеческая душа или ангел женского телосложения.

Сотворение Адама обычно изображает отрывок: « Бог создал человека по Своему образу, по образу Божию сотворил его» (Быт. 1:27).Источником вдохновения для подхода Микеланджело к этому вопросу, возможно, послужил средневековый гимн под названием Veni Creator Spiritus , в котором просит «палец правой руки отца» (digitus paternae dexterae) произнести верную речь.

Образ почти соприкасающихся рук Бога и Адама стал культовым для человечества и воспроизводится в бесчисленных имитациях и пародиях. Картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря и Микеланджело Сотворение Адама являются наиболее тиражируемыми религиозными картинами всех времен.

http://www.michelangelo-gallery.com/creation-of-adam.aspx

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Creation_of_Adam

Жорж-Пьер Сёра был одним из самых известных художников-постимпрессионистов 1880-х годов во Франции. Недолговечный, застенчивый художник-затворник известен своим изобретением колористической техники, известной как пуантилизм, разновидность дивизиона. Поступая так, он стал пионером нового стиля неоимпрессионизма. Как ответ на импрессионизм Клода Моне, неоимпрессионизм просуществовал всего несколько коротких лет (1886-1891), но, благодаря Сёра и его современнику Полю Синьяку, он оказал большое влияние на итальянский дивизионизм и на несколько других стилей поста. -Импрессионистская живопись, особенно синтетизм / перегородчатость Поля Гогена; экспрессионизм Винсента Ван Гога; и фовизм Анри Матисса.

Родился в Париже в богатой семье. Сначала он учился рисованию у скульптора Джастина Лекьена в вечерней школе и был принят в Ecole des Beaux-Arts в 1878 году. Через два года он прошел год службы в армии, а затем вернулся в Париж. Он переехал в свою студию и следующие два года провел, осваивая технику черно-белого рисунка.

Сера был очарован целым рядом научных идей о цвете, форме и выражении. Он считал, что линии, идущие в определенных направлениях, и цвета особой теплоты или прохлады могут иметь особые выразительные эффекты.Он также преследовал открытие, что контрастные или дополнительные цвета могут оптически смешиваться, давая гораздо более яркие тона, которые могут быть достигнуты путем смешивания одной краски. Он назвал разработанную им технику «хромолюминизмом», хотя он более известен как дивизионизм (характерный стиль в живописи неоимпрессионистов, определяемый разделением цветов на отдельные участки, которые оптически взаимодействуют друг с другом) или пуантилизм (техника рисования в какие маленькие, отчетливые цветные точки наносятся в узоры, чтобы сформировать изображение, которые были критически важны для достижения эффекта мерцания его поверхностей).

Инновации Сёра основаны на новых квазинаучных теориях цвета и выражения, но изящная красота его работ объясняется влиянием самых разных источников. Первоначально он считал, что великое современное искусство покажет современную жизнь способами, подобными классическому искусству, за исключением того, что оно будет использовать технологически обоснованные методы. Позже он стал больше интересоваться готическим искусством и популярными плакатами, и влияние этого на его работы сделало его одним из первых произведений современного искусства, использовавших такие нетрадиционные источники для выражения.Его успех быстро вывел его на передний план парижского авангарда. Его триумф был недолгим, так как всего через десять лет зрелой работы он умер в возрасте всего 31 года.

Сёра был вдохновлен желанием отказаться от увлечения импрессионизма мимолетным моментом и вместо этого передать то, что он считал важным и неизменным в жизни. Тем не менее, он позаимствовал многие из своих подходов у импрессионизма, от его любви к современным предметам и сценам городского досуга, к своему желанию избегать изображения только « местного » или кажущегося цвета изображаемых объектов и вместо этого пытаться запечатлеть все цвета, которые взаимодействовали, создавая свой внешний вид.

http://www.wikiart.org/en/georges-seurat/the-eiffel-tower-1889

http://www.the-athenaeum.org/art/list.php?m=a&s=tu&aid=115

http://www.theartstory.org/artist-seurat-georges.htm

Рене Франсуа Гислен Магритт родился в Лессин, учился в Академии изящных искусств в Брюсселе в 1916-18 годах. Магритт поселился в Брюсселе и какое-то время зарабатывал себе на жизнь дизайном обоев и рисованием модной рекламы.Он очень подружился с поэтами и писателями, которые разделяли его интерес к пробуждению тайн и позже стали основателями группы бельгийских сюрреалистов. Магритт отказался от своих ранних кубистско-футуристических экспериментов в 1925 году. Он начал исследовать способы создания поэтического, тревожного эффекта, изображая узнаваемые объекты в инопланетном окружении, путем поразительных сопоставлений или комбинаций объектов, инверсии масштаба и так далее. Его первая персональная выставка была в галерее Le Centaure в Брюсселе в 1927 году.Впоследствии Магритт жил с 1927-1930 годов в Перрё-сюр-Марн, пригороде Парижа, где познакомился с Миро, Арпом, Танги, Дали, Бунюэлем, Элюаром и Бретоном. В 1930 году он вернулся в Брюссель, где провел остаток своей жизни. Он умер в Брюсселе в 1967 году.

Разочарованные желания — обычная тема в творчестве Магритта. В The Lovers тканевый барьер предотвращает интимные объятия двух влюбленных, превращая акт страсти в изоляцию и разочарование. Некоторые истолковали его работу как изображение неспособности полностью раскрыть истинную природу даже наших самых близких товарищей.Затуманенные лица были обычным мотивом в творчестве Магритта. Художнику было 14 лет, когда его мать покончила жизнь самоубийством, утонувшая. Он был свидетелем того, как ее тело вылавливали из воды, а ее лицо было обернуто мокрой ночной рубашкой. Некоторые предполагают, что эта травма вдохновила на серию работ, в которых Магритт затемнял лица своего объекта. Магритт не соглашался с такой интерпретацией, отрицая какую-либо связь между своими картинами и смертью матери.

Самые ранние картины Магритта, датируемые примерно 1915 годом, были импрессионистскими по стилю.С 1916 по 1918 год он учился в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, но нашел эту инструкцию скучной. Картины, которые он написал в 1918–1924 годах, испытали влияние футуризма и образного кубизма Метцингера. В 1922 году Магритт женился на Жоржетте Бергер, с которой познакомился еще ребенком в 1913 году. В 1920 году Магритт служил в бельгийской пехоте во фламандском городе Беверло. С 1922 по 23 год он работал рисовальщиком на обойной фабрике и был дизайнером плакатов и рекламы до 1926 года, когда по контракту с галереей «Le Centaure» в Брюсселе он получил возможность рисовать на полную ставку.В 1926 году Магритт создал свою первую сюрреалистическую картину «Пропавший жокей» и провел свою первую выставку в Брюсселе в 1927 году. Критики осыпали выставку критиками. Подавленный неудачей, он переехал в Париж, где подружился с Андре Бретоном и стал участником группы сюрреалистов. Иллюзионизм, похожий на сон характерен для версии сюрреализма Магритта. Он стал ведущим членом движения после того, как в 1927 году уехал из своей родной Бельгии в Париж, где пробыл три года.Галерея «Le Centaure» закрылась в конце 1929 года, что привело к прекращению доходов Магритта по контракту. Не оказав большого влияния в Париже, Магритт вернулся в Брюссель в 1930 году и возобновил работу в сфере рекламы. Он и его брат Пол сформировали агентство, которое зарабатывало ему прожиточный минимум.
Рене Магритт вдохнул новую жизнь в, казалось бы, обычные сюжеты, обладая в высшей степени интеллектуальными сюрреалистическими образами. Он рисовал повседневные предметы вне контекста, в сопоставлениях, заставляющих зрителя пересматривать вещи, которые обычно воспринимаются как должное.

http://www.moma.org/learn/moma_learning/rene-magritte-the-lovers-le-perreux-sur-marne-1928

http://www.musee-magritte-museum.be/Typo3/index.php?id=10

http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=3692

Анри Руссо стал штатным художником в возрасте сорока девяти лет после ухода с поста на парижской таможне — работы, которая дала ему известное прозвище «Ле Дуанье», «сборщик пошлин». Хотя Руссо был поклонником академических художников, таких как Вильям-Адольф Бугро и Жан-Леон Жером, он стал архетипическим наивным художником.Руссо заметил, что Жан-Леон Жером посоветовал ему: « Если я сохранил свою наивность, то это потому, что мсье Жером всегда говорил мне, что я должен ее сохранить». Его дилетантская техника и необычные композиции вызвали насмешки современных критиков, а также заслужили уважение и восхищение современных художников, таких как Пикассо и Кандинский, за открытие «новых возможностей простоты». Самые известные работы Руссо — это пышные джунгли, вдохновленные не личными впечатлениями о таких местах, а частыми поездками в парижские сады и зоопарк.

Руссо был художником-самоучкой, который мечтал об официальном одобрении. Хотя он так и не добился признания французской академии, он был охвачен авангардными художниками начала 20-го века, включая Пикассо и сюрреалистов, за его отход от обычного стиля, который включал широкие плоские плоскости цвета, стилизованные линии и фантастические пейзажи. Рисуя экзотические места, Руссо никогда не покидал Францию. Его джунгли — это мечты горожанина, построенные из посещений ботанических садов, парижского зоопарка и колониальных экспозиций, взятые из гравюр и репродукций.

Один из самых ярких аспектов стиля Руссо — это уплощение его предметов. Повторял ли он своих современников-импрессионистов, которых интересовала поверхность, или просто следовал своему собственному видению, картинам художника в джунглях недостает твердости, как если бы они были репрезентациями театрального декора, гигантские листья и лепестки были минимально очерчены, чтобы создать эффект. вырезов внахлест. Более того, его существа кажутся намеренно подавленными из-за невозмутимого обращения, которое определяет каждое скорее как очертание, чем как тактильную форму.

Хотя у него были амбиции стать известным академическим художником, Руссо вместо этого стал виртуальной противоположностью: типичным «наивным» художником. Руссо, в основном самоучка, разработал стиль, свидетельствующий об отсутствии у него академической подготовки, с отсутствием правильных пропорций, одноточечной перспективы и использования резких, часто неестественных цветов. Благодаря таким особенностям было создано множество работ, проникнутых чувством загадочности и эксцентричности. Необразованный и своеобразный характер искусства Руссо высмеивал многие ранние зрители его работ.Однако это качество находило отклик у современных художников, которые видели в работах Руссо образец искренности и прямоты, к которой они стремились в своей работе.

Под влиянием сочетания «высоких» и «низких» источников — академической скульптуры, открыток, бульварных иллюстраций и поездок в общественный зоопарк и сады Парижа — Руссо создал современные, нетрадиционные изображения традиционных жанров, таких как пейзаж, портреты и аллегории. . Фантастические, часто возмутительные образы, возникшие в результате этих гибридных влияний, были отмечены сюрреалистами, чье искусство ценило удивительные сопоставления и сказочные настроения, характерные для работ Руссо.

https://www.theguardian.com/culture/2005/nov/01/1

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-rousseau/henri-rousseau-jungles-paris-room-guide

Три музыканта — это название двух похожих коллажей и картин, написанных маслом испанского художника Пабло Пикассо. Оба они были завершены в 1921 году и олицетворяют стиль синтетического кубизма. Одна версия в настоящее время принадлежит Музею современного искусства Нью-Йорка; другой находится в Художественном музее Филадельфии.

Три фигуры на этой картине напоминают персонажей Commedia dell’Arte . Эта итальянская театральная форма возникла в 16 веке и использовалась до сих пор в начале 20 века. Его отличительной чертой были известные стандартные персонажи, которые обычно были в масках. Сине-белый кларнетист слева — Пьеро, наивный клоун, который всегда влюбляется и разбивает свое сердце. Его любовные интересы часто предпочитают красивого обманщика Арлекина, изображенного здесь в центре, одетого в красно-желтые цвета испанского флага и играющего на гитаре.Как учтивый, умный слуга, персонаж Арлекина резко контрастирует с меланхоличным клоуном. Справа поющий монах. Хотя в Commedia dell’Arte нет конкретного монаха, его часто использовали в этих театральных представлениях. Иногда стандартные персонажи носили коричневые одежды монаха в качестве маскировки. Если присмотреться, можно увидеть на картине еще одну фигуру; под стулом Пьеро растянулась собака. Хотя его лицо скрыто, вы можете увидеть части его тела, выглядывающие из-за ног музыкантов, и его тень на стене позади музыкантов.

В прошлом году Пикассо был нанят для создания костюмов и декораций для балета русского композитора Игоря Стравинского под названием Pulcinella, , который был основан на тексте Commedia dell’Arte 1700-х годов. Вполне вероятно, что вдохновение для использования Пикассо персонажей Commedia dell’Arte в этой картине пришло из этого проекта.

Пикассо также создал эту работу как дань уважения двум близким друзьям. Пьеро представляет Гийома Аполлинера, поэта, которого считают отцом сюрреалистического движения.Аполлинер был ветераном Первой мировой войны, который был ранен в бою и умер от испанского гриппа в 1918 году, за три года до этой картины. Монах — олицетворение бывшего соседа Пикассо по комнате Макса Джейкоба, еще одного поэта, который познакомил Пикассо и Аполлинера. Иаков поступил в бенедиктинский монастырь ранее, в том же году, когда был написан «Три музыканта». Арлекин представляет Пикассо.

Эта работа является примером синтетического кубизма S , движения, созданного Пикассо и другим художником по имени Жорж Брак.Он вырос из более общей тенденции кубизма, авангардной техники, характеризующейся анализом конкретных объектов, их разбиением и последующей абстрактной сборкой. Объекты представлены с разных точек зрения, и представление этих точек зрения более важно, чем реалистичное представление самого предмета. Синтетический кубизм также имеет эти качества, но был более простым, декоративным и плоским стилем, чем более ранние кубистические работы.

http: // study.ru / academy / lesson / picassos-three-musicians-painting-analysis.html

http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/cubism/Pablo-Picasso.html

http://www.pablopicasso.org/three-musICAL.jsp

http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=78630

Кувшинки и японский мост представляет два величайших достижения Моне: его сады в Живерни и картины, на которые они вдохновили. В 1883 году художник переехал в провинциальный город Живерни, недалеко от Парижа, но сразу за границей Нормандии.Это было время, когда его финансовый успех как художника рос, и он сразу же начал переделывать здание.

В 1893 году Моне приобрел прилегающий участок с небольшим ручьем и превратил это место в оазис прохладной зелени, экзотических растений и спокойных вод в азиатском стиле, дополненный японским пешеходным мостом. Серийный подход, воплощенный в этой работе — одной из примерно дюжины картин, на которых Моне возвращался к одному и тому же виду при различных погодных и световых условиях, — был одним из его величайших формальных нововведений.Он старался рисовать прямо с натуры, насколько это было возможно и всякий раз, когда позволяла погода, иногда работая одновременно над восемью или более холстами в день. Проект Моне по запечатлению постоянно меняющихся атмосферных условий стал визитной карточкой стиля импрессионизма.

В 1889 году Моне нарисовал мост через пруд в своем саду. Он возвращался к этой теме много раз. В течение 1889 и 1890 годов Моне написал несколько полотен, изображающих мост и его окрестности.На каждой картине из серии «Японский пешеходный мост » мост является центром композиции. На большинстве этих картин мост охватывает всю ширину картины, разделяя холст пополам. Цвет моста варьируется на каждом изображении в зависимости от света, в котором он был нарисован. Это всегда арочный деревянный мост с поручнями, отражающими горизонтальную арку прогулочных досок, поддерживаемых несколькими вертикальными опорами. В некоторых случаях мост кажется темным, показывая цвет темного дерева в тени окружающих ив или под тенью проплывающего облака.В других случаях это яркий синий, фиолетовый или розовый цвет, отражающий свет в атмосфере, отражающийся от цветов на берегу пруда. Верхняя половина картины показывает то, что находится за мостом, вдали от зрителя. На вершине преобладают наклонные ветви и листья ивовых деревьев. Он почти полностью состоит из оттенков зеленого, иногда синего или желтого. На дне картин Моне показывает свой пруд. Позже в его жизни « Кувшинки » станут одними из самых известных его картин.Как и у моста, меняется цвет воды, лилий и других цветов. У некоторых они темно-красного или оранжевого цвета. В других они ярко-зеленого, нежно-голубого или розового цвета.
Как и в других сериях картин Моне, сюжет, в данном случае сам мост, не делает эти работы такими важными, какими они являются. Моне сделал в Живерни что-то очень новое. Вместо того, чтобы рисовать красоту природы такой, какая она есть, он превратил природу в то, что хотел, а затем нарисовал ее. Его картины его садов, включая Японский пешеходный мост, — это картины, показывающие, как он ваял природу.Моне тщательно возделывал сад в соответствии со своими требованиями. Он пригласил мастера для строительства моста, торговал растениями, чтобы получить лучшие редкие сорта, какие только мог найти, и отклонил ручей, чтобы снабдить свой пруд водой. Его сад в Живерни послужит источником вдохновения для того, что станет его самым большим влиянием на мир искусства.

http://www.cmonetgallery.com/monet-japanese-bridge.aspx

http://artmuseum.princeton.edu/fr/collections/objects/31852

Пабло Пикассо познакомился с Мари-Терез Вальтер, героем этого портрета, в 1927 году, когда ей было 17 лет.У них завязался бурный роман, но долгие годы скрывали его от публики, так как она была подростком, а артистка была замужем. К 1931 году плодовитое, пышное тело и светлые волосы Мари-Терез явно упоминались в таких работах, как Женщина с желтыми волосами . Мария-Тереза стала музой и постоянным героем Пикассо. Он изобразил ее читающей, смотрящей в зеркало и спящей, самое сокровенное из изображений. Единая изогнутая линия, очерчивающая профиль Мари-Терез, стала эмблемой и появляется на многочисленных скульптурах, гравюрах и картинах. Женщина с желтыми волосами выполнен в широком, изящном, криволинейном стиле, который радикально отличается от его более ранних изображений женщин. Эта картина изящного покоя — не столько портрет Марии-Терезы, сколько абстрактная поэтическая дань уважения Пикассо своей молодой музе.

Несмотря на то, что он был написан почти через 20 лет после первых экспериментов художника с кубизмом, упрощение Пикассо чувственной фигуры Мари-Терез до основных форм можно проследить до этой живописной техники.Волнистые линии, округлые органические формы и насыщенные оттенки свидетельствуют о том, что художник оценил современные разработки в живописи, такие как сюрреализм. Как почетный член сюрреалистов, Пикассо находился под влиянием их исследования снов как портала в подсознание, а яркие игривые цвета, которые он выбрал для этого портрета, могут представлять образы снов.
Мощное сочетание физической привлекательности и сексуальной наивности Мари-Терезы опьяняло Пикассо, и его восторженное желание к ней привело к появлению ряда образов, которые стали одними из самых востребованных за всю его долгую карьеру.Пикассо продолжал создавать знакомые и спокойные образы Мари-Терезы до конца десятилетия, хотя Дора Маар постепенно заменила ее. На картинах Пикассо Мария-Тереза предстает светлой, солнечной и яркой, в отличие от его более мрачного изображения Доры Маар, которую Пикассо нарисовал как замученную «плачущую женщину».

Отношения Пикассо с Мари-Терез скрывались от его первой жены Ольги до тех пор, пока Ольге не сообщили о беременности Мари. Позже Пикассо и Ольга расстались, хотя они оставались в браке, пока она не умерла в 1955 году, поэтому Ольга не получила половину состояния Пикассо.У Мари-Терезы и Пикассо в 1935 году родилась дочь Майя (Мария де ла Консепсьон). Когда Пикассо влюбился в Дору Маар в 1936 году, через год после рождения Майи, Мари-Тереза, по понятным причинам, стала ревновать. Через пятьдесят лет после их первой встречи Мария-Тереза покончила с собой. Она умерла, повесившись в 1977 году, через четыре года после смерти Пикассо.

https://www.guggenheim.org/arts-curriculum/topic/pablo-picasso-woman-with-yellow-hair

http://www.sapergalleries.com/PicassoWomen.html

http://www.guggenheim.org/new-york/education/school-educator-programs/teacher-resources/arts-curriculum-online?view=item&catid=716&id=11

Richa Zenith boot black 44 10 Мотоциклетные ботинки Автомобильные oljeserviceolsater.se

Ботинки Richa Zenith, черные 44 (10): Автомобиль и мотоцикл. Ботинки Richa Zenith черные 44 (10): Автомобиль и мотоцикл. ЭТО ПЕРЕЧЕНЬ БОТИНКИ RICHA ZENITH。 КОЖАНАЯ КОНСТРУКЦИЯ 100% ВОДОНЕПРОНИЦАЕМЫЕ БОТИНКИ УСИЛЕННАЯ ЗОНА СМЕНЫ ПЕРЕДАЧИ ФАНТАСТИЧЕСКИЕ БОТИНКИ ПО ЕЩЕ ЛУЧШЕЙ ЦЕНЕ。。

Ботинки Richa Zenith черные 44 10
Nbvcxz Resident Evil Umbrella Corporation Наклейки на боковые двери наклейки на машину персонализированные наклейки, WASTUO HTT Group Black 1 25-миллиметровая ручка для мотоцикла 10мм Зеркальная резьба Держатель для держателя Адаптер зажима, DORMAN 674694, nieliangw0q 5Pcs Автомобиль для упаковки виниловых инструментов Скребок из толстого войлока, скребок, аппликатор Синий, G Обтекатель боковой панели бака для YZF R1 2007-2008, Коврик багажника Seat Ateca 2016- Gledring 1804 Rubbasol Rubber Upper Floor Black, Cost Wise Angled Fuel Funnel Pack из 2 — синий / красный, METZELER 140/70 -14 68P FEELFREE reinf TL Moto, Серебристое стекло дверного зеркала, включая опорную пластину, правая сторона водителя FI500 с 2007 по 2017 год, без обогрева.Imperial MZ283AGACN Передняя решетка, для 5-й серии F10 / F18 / GT Светодиодные автомобильные лампы Огни для чтения Суперяркое внутреннее освещение автомобиля Купольная карта Боковые вежливые лампы Canbus Безошибочные сменные фары белые 22 шт. WEZEL 5772918 Индикаторы, Универсальная буксировочная проушина Sponsi для буксировочного троса Ford Гоночный автомобиль Буксировочный ремень Бампер прицеп Высокопрочные нейлоновые буксирные тросы, Бесщеточный контроллер двигателя VGEBY 36 / 48V 500W Электрический трехрежимный трехколесный синусоидный трехколесный контроллер с ЖК-дисплеем. Swift Models 2017–2020 гг. Heyner Germany Комплект для замены передних суперплоских щеток стеклоочистителей 2019 HSF2019H.DokFin Led Dynamic Turn Signal Side Sequential Flashing Light для Peugeot 307, 206, 207, 407, 107 607 Citroen C1 C2 C3, BR9EG-N-8. Цельный пакет свечей зажигания NGK для инвентарного номера 2689 или медного сердечника. % VLT 10ft Feet Car Home Office Glass, OUKANING Fiber FTTH Tool Kit FC-6 Набор инструментов для сращивания волокон и скалывания волокон, Ferodo FDB1424 Комплект тормозных колодок Комплект дисковых тормозов из 4 шт.

Starwood покупает Zenith Center в Чатсвуде за 438 долларов.2 миллиона
«На столичных рынках Сиднея и Мельбурна наблюдается высокая арендная активность и опережающий рост арендной платы».
Несмотря на то, что в 2018 году общий объем инвестиций в столичные офисные рынки Австралии значительно превысил 10-летний средний показатель в 3,84 миллиарда долларов, он не достиг рекордного уровня 2017 года в 6,29 миллиарда долларов.
Глава отдела городских продаж и инвестиций JLL Австралия Марти Джейнс сказал, что сокращение объемов транзакций не является признаком снижения спроса со стороны инвесторов, а связано с нехваткой доступного продукта.
«Состав инвесторов на рынках офисных помещений в мегаполисах также начинает меняться. В результате демографических, структурных и экономических соображений жизнеспособность крупномасштабных коммерческих офисных проектов привела к институциональным инвестициям и более разнообразному диапазону источников капитала. . »
В настоящее время Centuria Zenith Fund владеет 50-процентной долей в собственности, совместно инвестируя с частным фондом недвижимости, управляемым глобальным менеджером фонда BlackRock.
Глава Centuria по управлению недвижимостью и фондами Джейсон Хулджич сказал, что 50 центурий на акцию Zenith принадлежат инвесторам единого актива, не котирующегося на бирже Centuria Zenith Fund, который будет ликвидирован, а выручка распределена между инвесторами после продажа рассчитывается.
Доля BlackRock принадлежала частному фонду недвижимости, которым она управляет от имени своих инвесторов.
«Доходность фонда Centuria Zenith Fund была отличной, в среднем 7,7% годовых, что очень привлекательно в нынешних условиях низких процентных ставок», — сказал г-н Хульджич.
«Высокая продажная цена, полученная от Zenith, является еще одним доказательством нашей способности выявлять возможности для укрепления рынков, что позволяет нам реализовать нашу активную стратегию управления активами, чтобы сделать нашу недвижимость более привлекательной для рабочих мест как для существующих, так и для потенциальных арендаторов.

Женский волейбольный клуб «ДИНАМО-МЕТАР»